Was passiert, wenn zehn Fotograf*innen auf zehn Musiker*innen treffen? Reibung? Vernetzung? Es entstehen unerwartet intime Bilder von Personen, die man sonst hauptsächlich von der Bühne kennt. Stellt man diese Fotografien nebeneinander, so ergibt sich eine Ausstellung mit dem Namen „10 im Quadrat“, die im Feierwerk Farbenladen zu sehen ist.

Ausstellung „10 im Quadrat“ – Platz für Unerwartetes

Das Besondere an der Sache? Am Projekt sind ausschließlich junge Menschen beteiligt. Es sind junge Münchner*innen, die gerade in eine Fotografie-Karriere starten oder aktuell ihr Plätzchen in der Musikszene suchen. Kreative Köpfe, denen in München oft nicht ausreichend Platz geboten wird. „Diese Stadt hat so viel Potenzial, so viel Kreativität und es fehlen einfach die verdammten Räume“, sagt Nicole Salowa. Nicole ist Teil des Organisationsteams hinter der Ausstellung und genauso jung wie die mitwirkenden Künstler*innen. Sie ist Autorin der Junge-Leute-Seite der Süddeutschen Zeitung – eine Seite, für die ausschließlich Jungjournalist*innen schreiben. Gemeinsam wurden diese für das Projekt „10 im Quadrat“ zu Veranstalter*innen, wodurch den Mitwirkenden sowohl ein Ausstellungsraum als auch eine Plattform in der Süddeutschen Zeitung geboten werden konnte.

Intime Momente teilen

Ein Dienstagnachmittag im Café Jasmin. Der 28-jährige Münchner Fotograf Daniel Nguyen hat sich mit Malva Scherer, 20, für ein Fotoshooting verabredet. Daniel will die Musiker*innen in ganz alltäglichen Situationen porträtieren – also treffen sie sich dort, wo Malva am liebsten an ihren Songtexten schreibt. Er hat seine Kamera bei sich, lässt sie aber vorerst auf dem Tisch neben Malvas Notizheft ruhen. Malva bestellt einen Kaffee mit Hafermilch und Daniel eine Tasse Ingwertee mit Minze. Sie unterhalten sich, als wären sie auf einem Kaffeeklatsch unter Freund*innen. Nur ab und zu zückt er seine Kamera und schießt ein schnelles Porträt. Warum er das so macht? Weil authentische Fotos etwas sehr Intimes sind. Porträtfotografie bedeutet für ihn, „dass man intime Momente teilen kann, dass man sich gegenüber Personen öffnet und sich auch kennenlernt“, sagt er. Was das an Arbeitsaufwand bedeutet, kann man sich ausmalen – denn wie alle Fotograf*innen, begegnete Daniel für „10 im Quadrat“ zehn verschiedenen Musiker*innen. Aber er ist sich bewusst, dass man einander vertrauen muss, um ein gutes Foto zu schießen.

Porträts von Ängsten

Eine ordentliche Portion Vertrauen legte auch die Sängerin Laura Glauber, 28, bei ihrem Fotoshooting mit Shahin Hefter hin. Mit ihrem Konzept „Face your Fears“ lockte die 26-jährige Fotografin die Musiker*innen aus ihrer Komfortzone. Sie stellte ihnen die Aufgabe, sich in ihren Porträts einer ganz persönlichen Angst zu stellen. Bei Laura war das der Respekt davor, sich als Bühnenmensch ganz offen und ehrlich mit allen Makeln zu zeigen. Also schlug Shahin vor, sie in Unterwäsche zu porträtieren. Ganz ohne Möglichkeit, sich zu verstecken. Das Ergebnis: ein ausdrucksstarkes Porträt von einer Frau mit selbstbewusstem Blick.

Junge Kunst gemeinsam erleben und gestalten bei „10 im Quadrat“

Zu sehen ist dieses Porträt nun gemeinsam mit neun weiteren Schwarz-Weiß-Fotografien an einer der Wände im Farbenladen. Im einen Eck Shahins abstrakte, schlichte Fotoreihe, gleich daneben humorvolle, kunterbunte Bilder eines anderen Fotografens. „Die Unterschiede sind so krass – obwohl es für jeden dasselbe Projekt war, hat jeder seinen eigenen Touch reingebracht“, sagt Eva Bregler bei der Vernissage von „10 im Quadrat“. Gut 200 Menschen sind gekommen, um die Ergebnisse des Projekts zu bestaunen und einen entspannten Abend bei Beats und Bier zu verbringen. „Es ist so schön, die Menschen hier zu sehen, wie sie sich alle freuen, dass wir zusammen Kunst erleben und gestalten können“, sagt auch Nicole Salowa, Autorin der Junge-Leute-Seite. Diese ausgelassene und zugleich anregende Stimmung soll noch den ganzen Mai lang erhalten bleiben. Deshalb hat das Junge-Leute-Team ein abwechslungsreiches Rahmenprogramm auf die Beine gestellt: von Führungen mit den Fotograf*innen über Diskussionsrunden bis zu einem Open Mic. Alles im Zeichen der jungen Münchner Kunstszene. Alles, um genau dieser Kunst Platz zu geben. Platz, von dem es so viel mehr in München bräuchte.

SZ Junge Leute

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Artikel zu „10 im Quadrat“ von Autorin Fanny Gasser

Der Herbst und Winter ist im Feierwerk Farbenladen alles andere als düster – und hielt drei großartige Ausstellungen bereit. Hier erfahrt ihr mehr darüber, was sich seit November 2022 so tut im Farbenladen.

November: EMBRACE – Künstlerische Umarmung im Farbenladen

Ein kalter und grauer Novembertag ging zu Ende. Doch während der Ausstellung EMBRACE von Mercedes Corvinus war bei entspannter Musik, leckeren Getränken und einer angenehmen Atmosphäre die triste Herbststimmung wie weggeblasen. Als ich in den hell erleuchteten Farbenladen eintrat, wurden eifrig noch die letzten Vorbereitungen getroffen, bis es dann endlich losging und die ersten Besucher*innen eintrafen.

Aber was heißt eigentlich EMBRACE?

Als ich den Titel EMBRACE (dt. Umarmung) hörte, war ich sehr gespannt, was mich erwarten würde. Als ich dann die verschiedenen Ölgemälde und zahlreichen Skizzen sah, erschloss sich mir der Name der Ausstellung sofort. Auf den Werken sah ich vor allem Frauen, alleine oder in der Gruppe, die in ihre Gedanken abschweifen. Das Besondere daran: Die Frauen wurden so dargestellt, wie sie wirklich sind und es gab keine makellosen Figuren, sondern es wurden die echten, nicht perfekten Seiten gezeigt. Bei EMBRACE stehen Gefühle im Vordergrund, der weibliche Körper und seine natürliche Schönheit. Besonders fasziniert haben mich die Farben, denn obwohl eher gedeckte Farben verwendet wurden, war die tolle Leuchtkraft unübersehbar. Jedes Bild hat seine eigene Wirkung, die sich manchmal auch erst nach längerem Betrachten vollständig entfaltet.

Kunst, Musik, Drinks und eine tolle Stimmung

Während ich völlig in Gedanken eine Skizze betrachtete, ertönte Musik und als ich mich umsah, war der Farbenladen gefüllt mit begeisterten Bewunderinnen und Bewunderern. Darunter auch die Künstlerin selbst, die einem Gast Näheres zu einem Bild erläuterte. „Diese Farben – so traumhaft“, hörte ich eine Besucherin schwärmen. Sie war offensichtlich, genauso wie ich, begeistert von den Farbtönen der Bilder. Eine andere Besucherin sagte zu mir: „Die Gesichter sind echt klasse gemalt“ – dem konnte ich nur zustimmen. Viele Besucher*innen setzten sich nach einer Zeit auf die Fensterbänke im Farbenladen und genossen gemeinsam mit ihren Freund*innen die entspannte Atmosphäre. Vielen Dank an Mercedes für diese tolle Ausstellung!

Dezember: Zusammengesetzte Puzzleteile – PIECES im Feierwerk Farbenladen

Aus Überresten, Schnipseln und Fetzen, die zufällig beim Malen entstehen, wird neue Kunst geschaffen. Das steckt hinter der Kunst von Soihe, die die Wände des Farbenladens bei PIECES (dt. Stücke) im Dezember schmückte. Welche Bedeutung seine Kunst für den Künstler hat, erfuhr ich bei seiner erfolgreichen Vernissage.

Erste Eindrücke

Lebhafte Musik, ein Esstisch und Bänke im Raum, wo man sich beim gemeinsamen Essen intensiv über die Kunstwerke austauschen konnte, waren Teil des Wohlfühl-Ambientes während der Vernissage. Als mich Soihe herzlich empfing, befanden sich schon einige Besucher*innen im Raum. Er führte mich herum und erzählte mir mehr über den Entstehungsprozess seiner Arbeiten und seine Gedanken dahinter. „Eine spontane Improvisation“, so beschrieb er die Werke seiner Ausstellung. Die ersten Arbeiten entstanden in der Anfangszeit der Corona-Pandemie, als der Künstler den Druck empfand, etwas Bestimmtes zu kreieren. Eingeschränkt von unserer geplanten und unfreien Gesellschaft, litt er unter einer Blockade. Jedoch wollte er – musste er – kreieren, egal was dies auch sein möchte.

Das Konzept hinter PIECES

Seine Arbeiten bestehen aus Überresten, Schnipseln und Fetzen, die unbewusst beim Entstehungsprozess anderer Kunstwerke entstehen. Soihe setzt die einzelnen Teile zusammen und lässt aus ihnen ein komplett zufälliges Puzzle entstehen. Seine Kunst ist abhängig von den Gefühlen, dem Umfeld und dem Zustand – der Inspiration – Soihes. Die einzelnen Puzzleteile ergeben ein beeindruckendes Gesamtbild, in dem sich knallige Farben, zufällige Formen und die Komposition dieser zusammenfinden. Der Entstehung eines solchen Kunstwerkes konnte ich sogar live zuschauen. Für eine junge Besucherin wurden Materialien bereitgestellt und schon machte sie sich daran, ihr eigenes Werk zu erschaffen. Jedes Teil wird von einem selbst und der jeweiligen Inspiration an seine Stelle gesetzt und ergibt ein vollständiges Bild, das nur die Person in diesem Moment erschaffen kann. Genau das ist es, was Soihes Arbeiten so einzigartig macht. Herzlichen Dank an Soihe für die inspirierende Ausstellung und aufschlussreiche Führung!

Januar: ABOVE & BELOW – Kunst oder Entertainment?

Musik, Snacks, Kunst, Merch – all das und noch mehr ist bei ABOVE & BELOW geboten. Genauso umfangreich sind die eigentlichen Werke von Künstlerin Bella Illenberger. In ihren Arbeiten nutzt sie verschiedene Medien, um unterschiedliche Thematiken zu vermitteln.

Volles Programm

Obwohl die Vernissage gerade erst begonnen hatte, war der Raum schon randvoll mit Besucher*innen. Auf Anhieb fiel mir die lockere Stimmung auf. Gelächter und enthusiastische Gespräche füllten den Raum. „Ihre Kunstwerke erfüllen eine wunderbare Bandbreite“, hörte ich eine Besucherin beim Vorbeigehen schwärmen. Sterblichkeit, Portraits, Wahrnehmung und Melancholie – all das thematisiert Bella Illenberger in ihren Arbeiten. Dabei beschränkt sie sich nicht auf bestimmte Medien oder Techniken: Von Aquarell über Schwarz-Weiß-Malerei bis hin zu Virtual Reality und Kleidungsstücke ihres eigenen Labels „Trashface“ – Es gab viel zu entdecken. Das Live-Drucken mit der Künstlerin auf die eigenen mitgebrachten Kleidungsstücke ist unter anderem ein Highlight.

Inspirieren lassen, verweilen und sich austauschen im Farbenladen

Der Farbenladen ist gemütlich eingerichtet und Live-Musik sorgt für eine musikalische Untermalung der Ausstellung. Bella verwandelte den Ort mithilfe von ABOVE & BELOW in einen wunderbaren Platz, an dem man sich Inspiration holt, sich kreativ austauschen kann und wo man nur allzu gerne verweilt. Vielen lieben Dank an Bella Illenberger für ihre äußerst facettenreiche Ausstellung!

„Palo Santo“, „Acqua di florica“ und „Arcana“ – diese Begriffe hörte ich zum ersten Mal, als mir die Karten im Keller unseres Feierwerk Farbenladens gelegt worden sind. – Huch, ist das hier nicht eine Kunstaustellung? Bei der großartigen Vernissage der Ausstellung „ARCANA Nr. 4 – online / offline“, kuratiert von Künstlerin Hazel Ang, war ein randvolles, buntes Programm geboten.

Während aus dem Keller die Stimme der Tarot-Kartenlegerin Sandra Steffl zu hören war, ertönten von oben die klaren Worte der Vorleser*innen. Mehr als 40 internationale Künstler*innen und Autor*innen waren an der Ausstellung beteiligt. Bei Programmpausen füllten ebenfalls die lebhaften Gespräche der Kunstliebhaber*innen den Raum. In dieser Menge von Besucher*innen fiel ich kaum noch auf.

Das Konzept hinter ARCANA

Die Wände des Feierwerk Farbenladens sind gefüllt mit den unterschiedlichsten Werken diverser Künstler*innen. Daneben befinden sich Texte, verfasst von Autor*innen, die wie jedes Kunstwerk eine Geschichte wiedergeben. Diese basiert auf einer Arcana, einer Tarock-Karte. So fanden sich neben den kunstbegeisterten Besucher*innen auch aufmerksame Leser*innen in der Menge wieder, die konzentriert die vorliegenden Schriftstücke studierten.

ARCANA wurde 2019 von der Künstlerin Hazel Ang kuratiert, in der Hoffnung, der Münchner Kunstszene eine internationale Gemeinschaft vorzustellen. Die Arcana spielen allerdings nicht nur in der Ausstellung, sondern auch in der Legung von Tarot-Karten eine bedeutende Rolle. Sie werden auch Trumpfkarten genannt und weisen in der Regel auf etwas Großes hin.

Spannende Tarot-Kartenlegung im Feierwerk Farbenladen

Ein weiteres persönliches Highlight war die Tarot-Kartenlegung von Sandra Steffl. Nach einer herzlichen Begrüßung führte mich die Kartenlegerin in den dunklen Keller, beleuchtet von Kerzen, in dem sich ein Tisch mitsamt ihrer Ausstattung befand. Der Geruch von Palo Santo, ein Weihrauch aus brasilianischem Holz, befand sich in der Luft. Bevor die Kartenlegung beginnen konnte, mussten die Hände – für reine Energie – mit der duftenden Flüssigkeit Acqua di florica gereinigt werden.

Zunächst habe ich die Karten selbst gemischt, der Reihenfolge nach gab ich mit meiner linken Hand neun Karten weiter. Mit diesen Karten wird ein allgemeines Bild des Lebens der Person dargelegt. Auf die Frage, ob dieses erste Bild mit meinem momentanen Befinden räsoniert, antwortete ich verblüfft mit einem „Ja!“. Anschließend darf man sich zwei Themen seiner Wahl (zum Beispiel Beruf, Familie, Liebe) aussuchen, auf die näher eingegangen wird. Zum Schluss wird eine letzte Karte für das Orakel gezogen. Die Interpretation des gegebenen Ratschlags ist jedem und jeder selbst überlassen. Ebenso liegt es an einem selbst, Sandras Legung und Ratschlag anzunehmen oder zu verweigern. Dabei sollte man letztendlich jedoch nicht vergessen: „The cards never lie“.

Herzlichen Dank an Hazel Ang und die Künstler*innen und Autor*innen von ARCANA für ihre faszinierende Ausstellung sowie an Sandra Steffl für ihre aufregende Kartenlegung!

Der Feierwerk Farbenladen hatte in den letzten Monaten ein randvolles Programm, von Straßenszenen über Fantasy-Universen bis hin zu Streetwear. Dieser kulturelle Überfluss ist wohl zum großen Teil der vielen Kunst, die sich während Corona angestaut hatte, zu schulden. Direkt beeinflusst von der Pandemie ist auch die Ausstellung „Auf- und Abwarten“, in der die Münchner Künstler*innen Carolin Wenzel und Max Schranner in handgezeichneten Schnappschüssen ihren Lockdown-Alltag dokumentiert haben. Visuelle Tagebücher, in denen sich das Warten manifestiert, und Gemälde, die die Besucher*innen mit schwierigen Fragen empfangen. Bufdi Nepo aus der Öffentlichkeitsarbeit war bei der Vernissage vor Ort und hat mit Carolin Wenzel über ihre ganz persönliche Corona-Prognose gesprochen.

„Die erste Frage ist ganz formlos: Wie geht es dir heute? Freust du dich auf deine Vernissage?“

„Natürlich freu ich mich!“

„Das hier ist sicher nicht deine erste Vernissage, oder?“

„Das ist dieses Jahr schon meine dritte. Ich freu mich drauf, bin aber bissl müde, was man mir hoffentlich nicht anmerkt.“ (lacht)

„Bei der Recherche deiner Kunstwerke fällt sofort auf, dass viele Titel und Ausstellungsnamen auf Portugiesisch sind. Hast du einen besonderen Bezug zur Sprache und zum Land Portugal?“

„Ich habe zwei Jahre in Portugal gelebt und gearbeitet, dort habe ich Portugiesisch gelernt. Weil mir die Sprache sehr gut gefällt, habe ich angefangen, einige meiner Werke in der Sprache zu betiteln. Mittlerweile ist mein Bezug zum Portugiesischen auch privat, da mein Mann aus Brasilien kommt.“

„Ein weiteres Leitmotiv deiner Kunst ist das Meer. Welche Thematiken willst du mit diesem Symbol „Meer“ vermitteln?“

„Das Meer ist das eine, meine Kunst vermittelt aber vor allem auch die Reise. Mich interessieren weite Landschaften, ob das jetzt das Meer oder die Steppe ist. Viele meiner Werke sind auch aus Reiseskizzen entstanden und auch diese Ausstellung „Auf- und Abwarten“ war ursprünglich als Reiseausstellung geplant. Durch die Verschiebung wegen Corona ist aus der äußeren Reise dann eher eine innere geworden. In diesem Sinne besteht diese Ausstellung hier aus Früchten der Pandemie.“

„Corona ist ein gutes Stichwort für die nächste Frage: Welchen Einfluss, denkst du, wird Corona auf die künstlerische Landschaft haben?“

„Negativ zu betrachten sind in der Hinsicht auf jeden Fall die Einbußen, die die Kultur während Corona einstecken musste, da man einfach wenige Möglichkeiten hatte, seine Kunst zu präsentieren. Inhaltlich hat die Pandemie sicher zu neuen, interessanten Inhalten geführt, da die Künstler*innen sich in dieser Abgeschiedenheit mit Themen beschäftigt haben,  für die vor dem Lockdown kein Platz gewesen wäre.“

„Eine letzte Frage noch: Der Charme deiner Kunst liegt ja auch ein wenig im Unfertigen, im Improvisierten. Ist das lediglich Geschmackssache oder steckt da eine Philosophie dahinter?“

„Man könnte natürlich sagen, dass im kleinen Format etwas Direktes, Unmittelbares liegt, aber es hat natürlich auch einen pragmatischen Grund, da ich ja keine „Vollzeitkünstlerin“ bin, weil ich am Gymnasium auch Kunst unterrichte. In dieser Hinsicht ist das Format meiner Kunst auch der wenigen Zeit geschuldet, die das Lehrer*innen-Dasein nun mal mit sich bringt.“

Vielen Dank für das schöne Interview!

„Sehr gerne“, erwidert der Künstler Saffet Çokgezen, der hinter der Juli-Ausstellung  „Implosion“ im Feierwerk Farbenladen steckt, auf meine Frage, ob ich ihn ein bisschen interviewen darf. Schnell wird klar, dass Saffet wirklich ein begabter Künstler mit Herz durch und durch ist und sogar, gemeinsam mit seiner Frau, seine eigene Streetwear ins Leben gerufen hat. Doch was es damit genau auf sich hat, erfahrt ihr hier:

Erinnerst du dich noch, wann du angefangen hast zu malen?

Ich male eigentlich schon seitdem ich denken kann; in der Schule waren meine Hefte bereits voller Zeichnungen. Die Kunst war schon immer ein wichtiger Teil meines Lebens und ist nicht mehr wegzudenken.

Und wann hast du dann begonnen, dich in einem abstrakteren Rahmen zu bewegen?

In meiner Jugend habe ich noch viel surreal gemalt. Somit konnte ich mit meinen Malereien kleine Geschichten erzählen. Ich erinnere mich noch gut, dass ich mal eine dunkle Straßenecke gemalt hatte und Jugendliche in der Ecke standen, die Elefantenköpfe hatten!

Mit 16 Jahren habe ich dann langsam angefangen, abstrakte Portraits zu zeichnen – beziehungsweise eher semiabstrakt. 🙂

Woher nimmst du deine Inspiration und Motivation für deine Kunst?

Im Endeffekt bin ich immer motiviert zu malen und habe den Drang, mich kreativ ausdrücken zu wollen. Ich denke, das ist beinahe Voraussetzung, wenn man so lange und in dieser Art und Weise von Kunst umgeben ist.

Meine Inspirationen nehme ich vor allem aus Menschen und meinen eigenen Emotionen. Aber eigentlich kann mich alles inspirieren, da reicht schon oft auch nur ein einzelner Gedanke.

Außerdem inspiriert mich der Gedanke, etwas erschaffen zu können, was mich selbst begeistern und sogar überraschen kann. Oft weiß ich vor Malbeginn selbst nicht, was mich am Ende erwartet und das erzeugt dann natürlich enorme Vorfreude und Euphorie, wenn man vorher nicht genau weiß wie das Ende aussehen wird – es kann immer etwas Neues und Besonderes sein!

Was war das für ein Gefühl, das erste Mal deine eigenen Werke auszustellen?

Natürlich war ich bei meiner ersten Ausstellung sehr nervös. Die Frage, ob ich genug Wissen für fachliche Gespräche hatte, war immer bei mir und hat mich verunsichert, was im Nachhinein gar nicht nötig gewesen wäre. Ansonsten kann ich nur sagen, dass es natürlich ein wahnsinnig tolles Gefühl ist, wenn man feststellt, dass seine eigenen Bilder etwas transportieren und eine Art Idee, ein Gefühl weitergeben.

Es ist beeindruckend, dass sich Menschen länger mit einem Bild beschäftigen und Zeit mit meiner eigenen Schaffung verbringen. Zusammengefasst gesagt, ist es einfach nur eine unglaubliche Ehre.

Und wie ist es hier, im Feierwerk Farbenladen, auszustellen?

Der Feierwerk Farbenladen ist ein wichtiger Ort für Künstler*innen, da es sehr schwierig ist, Ausstellungsflächen zu finden. Die Organisation ist nicht nur super für die Bietung der Fläche, sondern auch für die tolle Unterstützung, die man hier bekommt. Es ist einfach ein geniales Gefühl, hier auszustellen! Außerdem ist es so, dass das Publikum hier sehr gemischt ist, was super interessant ist und ich sehr genieße.

Könntest du uns ein bisschen mehr über deine Streetwear erzählen? Was steckt dahinter?

Da muss ich ein bisschen ausholen (grinst). Den Gedanken, Streetwear machen zu wollen, den hatte ich schon seit gut 8 Jahren. Ich habe bereits ein Dutzend Motive gemalt und mir Schnitte überlegt, die passen könnten. Doch die Idee war noch nicht zu hundert Prozent ausgereift gewesen und erst mit dem Kennenlernen meiner Frau und unserer Hochzeit kam dann die zündende Idee für  das aktuelle T-Shirt. Also haben wir gemeinsam die Brand für die Kleidung, ÇOK.GEZEN, gegründet und betreiben es seither zusammen.

Das Motiv zeigt ein Herz mit einem Dreieck, was eine reduzierte Form meines eigentlichen Stils zeigt. Ich male sonst viele kubistische Formen, ein Bild von mir beinhaltet beispielsweise sehr viele Drei- und Vierecke. Gerade die letzten Jahre waren für den Planeten wirklich nicht einfach und es gab viele schlechte Nachrichten, die die Stimmung gedrückt haben. Doch meine Frau und ich hatten tatsächlich die Erkenntnis, dass letztes Jahr für uns das Schönste von allen war. Es war interessant, was die Liebe, ganz einfach ausgedrückt, alles ausmachen kann. Uns wurde klar, dass sie nicht nur erhebliche Unterschiede machen, sondern auch die Sicht- und Denkweise verändern kann.

Das letztendliche Motiv dient als ein Art Symbol, Gegenbewegung, für die aktuellen Geschehnisse und hat eine ganz persönliche Message, die wir weitergeben möchten. Außerdem besteht das Shirt zu 50 % aus Bio-Baumwolle ist zu 50 % recyclet. Bedeutet, dass die zweite Message regelrecht im T-Shirt drinnen ist.

Streetwear verfolgt mich eigentlich schon mein ganzes Leben lang. In meiner Jugend habe ich viel Breakdance getanzt und Musik produziert, ich war also irgendwie schon immer in der Kultur unterwegs. Kleidung, Streetwear, war schon immer ein interessanter Aspekt für mich, die Frage wie man sich kleidet ist eine wichtige Komponente in der Kultur.

Früher wurde Streetwear von Erwachsenen immer mehr oder weniger belächelt, aber mittlerweile sieht man sie in Paris und weiteren wichtigen Modestädten auf den ganz großen Catwalks. Das was früher nicht ernst genommen wurde, ist heutzutage das Angesagteste was man sich nur vorstellen kann. Das ist eine ganz interessante Sache!

Vielen lieben Dank an Saffet für die Zeit und die ausführlichen Antworten auf meine Fragen 🙂

Kunstwerke, Stofftiere, Lichteffekte, Musikuntermalungen, persönliche Führungen und vieles mehr gab es bei der Vernissage der Mai-Ausstellung Fantasy Verse von Lizzy Mayer und Ronit Wolf im Feierwerk Farbenladen zu entdecken.

Bemerkenswerte erste Gedanken zu „Fantasy Verse“

Die erfolgreiche Vernissage fand am 03.05.2022 statt. 4 Minuten nach der Eröffnung um 17 Uhr trat ich durch die Eingangstür des Feierwerk Farbenladens in der Hansastraße 31. Herzlich wurde ich von Künstlerin Lizzy Mayer empfangen, die gemeinsam mit Ronit Wolf die Mai-Ausstellung führt. Abgesehen von der Künstlerin waren schon einige Besucher*innen im Raum und schauten sich interessiert um. Ich schweifte ein wenig ab und ließ mich in den Fantasy-Welten, die Lizzy und Ronit mit ihren Kunstwerken erschaffen, treiben. Seite an Seite sind ihre Werke an den weißen Wänden des Feierwerk Farbenladens und ich bestaunte eines nach dem anderen.

Die Kunst hinter „Fantasy Verse“

Als ich mich wieder umblickte, staunte ich, wie gefüllt der Raum nach nur wenigen Minuten der Eröffnung bereits war. Die Besucher*innen unterhielten sich entweder mit den beiden Künstler*innen, die sich beide begeistert unter die Leute mischten, tranken entspannt einen Drink an der Bar oder schlenderten durch den Ausstellungsraum. Oder soll ich eher sagen, durch die Räume? Denn, wenn man der Treppe nach unten in den Keller folgte, gelangte man in das sogenannte „Archiv“, wie Lizzy und Ronit den Raum tauften. Dort lagen ebenfalls ein paar Werke und daneben der ein oder andere poetische Spruch. Was die Ausstellung Fantasy Verse ebenfalls zu etwas Besonderem macht, ist, dass die Informationszettel neben der eigentlichen Werke beinahe selbst einen Hauch an Kunst beinhalten. Es lässt sich auf jeden Fall sagen, dass den beiden Ausstellerinnen Lizzy und Ronit ihr Ziel gelungen ist: Ihre Werke lassen jede*n in eine andere Welt eintauchen.

Persönliche Führungen

Ich schaute mich gerade noch weiter um, um alle Farben und jedes Wort aufzunehmen, als ich von Ronits Stimme abgelenkt wurde. Sie fing gerade an, den Besucher*innen eine kleine persönliche Führung durch den Raum zu geben und erklärte zu jedem ihrer Werke ein paar Sätze. Genau wie ich, haben sich mittlerweile auch alle anderen Besucher*innen dazugesellt und standen in einem Halbkreis um Ronit herum, um ihr gespannt zu lauschen. Nachdem sie mit ihrer Tour fertig war, holte sie Lizzy, die ebenfalls ein paar Worte zu ihren Werken verlor. Auch hier hörten wieder alle begeistert zu und sahen sich interessiert um.

Kunst ist nicht gleich Kunst bei „Fantasy Verse“

Obwohl Lizzys und Ronits Werke alle einem ähnlichen Genre entsprechen, konnte jede*r sofort erkennen, welches von wem stammte. Ich denke, es stimmt, was man über Kunst sagt: Jede*r Künstler*in schenkt seinen*ihren Werken ein Stück Herz, um die persönliche Note zu garantieren. Ehrlich gesagt, keine Ahnung, ob man das so sagt, aber in dem Fall trifft es zu einhundert Prozent zu.

Die beiden Künstlerinnen haben sich zudem für den ganzen Mai ein buntes Rahmenprogramm mit gemeinsamen Zeichnen, VJ, Livestreams und vielem mehr überlegt.

Nochmals herzlichen Dank an Lizzy und Ronit für diese wunderbare Ausstellung!

Exklusive Eindrücke der Februar-Ausstellung „Street Scenes II“ im Feierwerk Farbenladen konnte ich schon vor der Vernissage erhaschen, denn ein paar Tage zuvor hatte ich die Ehre, dem Künstler Matthias Mross beim Aufbau und der Vorbereitung zuzusehen. Außerdem konnte ich live dabei sein, als er die Drucke seiner Malereien signierte. Schon beim Aufbau war ich beeindruckt von seiner Kunst und freute mich umso mehr auf die Vernissage.

Vernissage der Ausstellung Street Scenes II

Freitag der 18. Februar, 17 Uhr – jetzt geht es los. Als ich den Farbenladen betrete, sind schon Besucher*innen da, die die Bilder auf sich wirken lassen. Dem schließe ich mich gleich an. Nun kann ich die Bilder genauer betrachten und meine Vermutung bestätigt sich: die Gemälde sind nicht einfach auf Leinwand gemalt, Nein. Sondern auf Stoff!

Malereien auf Stoff

Die Stoffe auf die Matthias gemalt hatte, erinnerten mich an die Couchbezüge meiner Oma, die per Hand mit Blumenmuster bestickt waren. Dieser Stoff-Hintergrund gibt den Bildern regelrecht Bewegung und lässt die so realistisch gemalten Motive doch irgendwie unecht erscheinen. Das zieht einen in den Bann, ich konnte gar nicht weiter gehen und wenn ich mich doch einmal von einem Werk gelöst hatte, musste ich später wieder zurückkehren. Denn es gab so viel auf den Gemälden zu entdecken. Sei es der pastose (zähflüssige, dicke) Farbauftrag, der das Gefühl vermittelte, das Bild sei dreidimensional. Der bemusterte Stoff, hinter dem tausende von Geschichten stecken könnten. Oder die Liebe zum Detail, die einen jede noch so kleine Schrift und Etiketten lesen lässt. Sodass man in manchen Kunstwerken bei genauer Betrachtung „versteckte“ Unterschriften finden kann.

Der Farbenladen füllt sich, es strömen immer mehr Menschen herein, alle wollen fasziniert werden. Auch Kinder und Hunde sind begeistert von den Bildern, die Szenen von der Straße zeigen. Das sind alles Momente, die der Künstler persönlich auf seinen Reisen erlebt hatte und die er uns nun durch seine Gemälde erzählt. Die Sitzgelegenheiten sind alle besetzt, den Besucher*innen gefällt es sehr, sodass sie es sich gemütlich gemacht haben.

Schön, dass Matthias Mross wieder im Farbenladen ausgestellt hat, nachdem er vor ziemlich genau drei Jahren zum ersten Mal mit seinen Street Scenes Werken dort war. Ich freue mich schon aufs nächste Mal!

Keine Coronaregeln, noch nicht mal das geltende 2G+, hält die Leute davon ab, in den Feierwerk Farbenladen zu strömen, um Thess Riva Fischers Ausstellung „Melody in Blue“ zu bewundern. Aufgrund der aktuellen Lage lautet die Regel zudem, dass nur 42 Personen den Feierwerk Farbenladen betreten dürfen. Durch den hohen Andrang ist das zwar schade, verspricht jedoch einen sicheren Abend, den alle absolut genießen.

Das Herz der Ausstellung und der Künstlerin

Die Wände des Feierwerk Farbenladens sind gefüllt mit Thess Riva Fischers beeindruckenden Fotografien, doch das ist nicht das Einzige was ins Auge sticht, sobald man den Raum betritt. An einer Wand ist eine Art Bühne mit Musikinstrumenten und Mikrofonen aufgebaut. Da das Herz der Künstlerin nicht nur für Fotografie, sondern auch für Musik schlägt, verbindet sie diese beiden Bereiche leidenschaftlich gerne und zeichnet sich dadurch aus. Ihr Ziel ist es, die Emotionen hinter den Tönen in ihre Bilder mit einzubauen. Die Betrachter*innen sollen die Gefühle, die sich hinter den Fotos verstecken, zunächst spüren, ohne die Musik zuvor gehört zu haben. Um den Besucher*innen ihrer Ausstellung im Feierwerk Farbenladen ihr Konzept noch näher bringen zu können, hat sich Thess etwas ganz Besonderes ausgedacht: Live Musik von zwei der Künstler auf den Fotos.

Saguru und die Geschichte hinter den Fotografien

Um Punkt 19:30 Uhr tritt die Künstlerin, deren Markenzeichen der Hut ist, hinter das Mikrofon und erweckt sofort aller Aufmerksamkeit. Es ist mucksmäuschenstill als Thess zum Publikum spricht. Nach einer herzlichen Begrüßung erzählt sie von den Anfängen ihrer Idee hinter „Melody in Blue“ und wir erfahren, dass es sich ursprünglich um ihre Bachelorarbeit von vor eineinhalb Jahren handelt. Damit ihre Fotografien so einzigartig werden, wie sie es heute sind, hat Thess mit verschiedenen Sänger*innen Kontakt aufgenommen, um die Emotionen hinter der Musik in ihre Werke einzubringen.

Liebevoll bittet Thess einen der Sänger, Saguru, auf die Bühne, der ebenfalls ein paar Worte zu Thess und ihrer gemeinsamen Arbeit sagt. Dann startet er mit einem ruhigen Song, der alle Besucher*innen der Ausstellung sofort in seinen Bann reißt. Saguru singt einige Lieder und alle lauschen ihm und seiner entspannenden Stimme. Der junge Musiker fesselt aber nicht nur alle mit seiner Stimme, sondern überzeugt auch mit seinem magischen Gitarrenspiel.
Bei einem seiner Songs deutet er auf ein Bild der Ausstellerin, das an der Wand des Feierwerk Farbenladens hängt. Augenblicklich richten sich alle 42 Augenpaare auf das Foto, das Saguru zeigt wie er sich nachdenklich durch die Haare fährt und starr nach unten blickt. Der Sänger erklärt, dass sich dieses Bild den Platz auf seinem neuesten EP Cover erkämpft hat und nun vor aller Welt auf seinem Spotify zu sehen ist. Als die Single vorbei ist, lässt sich nur eines sagen: wow. Thess ist es nicht nur gelungen, Saguru im richtigen Moment abzulichten, sondern hat es auch geschafft, die Emotionen hinter seinem Song in ihrem Bild perfekt einzufangen.

Cellz und Thess beeindrucken mit ihrer gemeinsamen Arbeit

Als Sagurus Auftritt vorbei ist, gibt es eine kleine Musikpause und alle richten ihre Aufmerksamkeit wieder auf Thess Bilder, die im Raum verteilt aufgehängt sind oder holen sich ein Getränk an der Bar. Um 20:15 ist es dann wieder so weit: Der nächste Liveact steht auf dem Programm: Cellz. Zwei junge Männer treten auf die Bühne und überzeugen bereits mit ihrem ersten Lied, das den Namen „We hate war“ trägt und durch die besondere Stimme des Sängers eine gigantische Message liefert. Die Begleitung durch ein Saxophon gibt den Songs die nötige Portion an Pep und bringt alle Besucher*innen der Ausstellung dazu, der Musik gebannt zu lauschen.

Ebenso wie bei Saguru, trägt auch das Album von Cellz ein Foto von Thess, das im Feierwerk Farbenladen ausgestellt ist. Das Bild unterscheidet sich ziemlich von Sagurus Cover und beweist hier einmal wieder, wie talentiert die Ausstellerin ist, die Emotionen hinter den verschiedenen Songs auf ihre ganz eigene Art und Weise abzulichten.

Ein paar Schlussworte zu „Melody in Blue“

Abschließend lässt sich sagen, dass die Vernissage von „Melody in Blue“ ein voller Erfolg war und dazu haben natürlich nicht alleine die Live Musik, sondern in erster Linie Thess Riva Fischers einzigartige Fotografien geführt. Denn wie wir mittlerweile alle wissen, steckt nämlich viel mehr hinter ihren Werken, als nur die richtige Kameraeinstellung in Bezug auf Zoom, Iso und Co. Thess Bilder erzählen eine Geschichte, basierend auf klangvoller Musik und tragen die Emotionen ab dem Klick des Auslösers ihrer Kamera bis hin in die Ausstellung an die Besucher*innen heran.

Ein riesen Dankeschön an alle Beteiligten, denn hinter solch einer beeindruckenden Ausstellung stecken viel mehr Menschen, als man sich vorstellen kann, um einen Abend in solch einer beeindruckenden Ausführung gestalten zu können.

„Es ist erschreckend, wie wenig sich doch getan hat über die Jahre“, sagt eine Besucherin der Ausstellung „Der §218 StGB. Kollektiver Widerstand – damals und heute“ die diesen Dezember im Feierwerk Farbenladen stattfindet. Die Ausstellung zeigt, wie Münchner Frauenrechtler*innen und Feminist*innen in den letzten 150 Jahren für das Recht auf körperliche Selbstbestimmung kämpften. Veranstaltet wird sie von der Antisexistischen Aktion München (asam) und unserer Fachinformationsstelle Rechtsextremismus München (firm), die euch hier ein paar Einblicke in die Ausstellung rund um die Widerstandsbewegung zum Paragraf 218 gibt.

Der §218 StGB. Kollektiver Widerstand – damals und heute

Den Einstieg zur Ausstellung macht ein von der Decke hängendes, beidseitig beklebtes Schild. Auf der einen Seite ist der Wortlaut des Paragrafen 218 StGB aus dem Jahr 1871 zu lesen, auf der anderen ist er in seiner heutigen Form zu sehen. Die Organisator*innen der Ausstellung machen damit gleich zu Beginn deutlich, dass sich die Situation ungewollt Schwangerer trotz der teils vehement geführten Kämpfe, nicht maßgeblich verbessert hat.

So haben sich zwar Formulierungen geändert, der Paragraf 218 StGB wurde hie und da reformiert, doch die Rahmenbedingungen sind weitestgehend gleich geblieben: Schwangerschaftsabbruch ist in Deutschland weiterhin rechtswidrig und wird nur unter bestimmten Voraussetzungen nicht strafrechtlich verfolgt. Es ist dieser Zustand, gegen den Aktivist*innen seit 150 Jahren auf die Straße gehen oder sich in Parlamenten und vor Gericht gegen die Kriminalisierung stellen.

„Ob Kinder oder keine, entscheiden wir alleine!“

Mit alten Plakaten, Flyern und Bildern macht die Ausstellung diesen jahrzehntelangen Protest erlebbar. Pappschilder mit der Parole „Ob Kinder oder keine, entscheiden wir alleine“ erinnern an einen Tag im Jahr 1971 als rund 3.000 Münchner*innen für die Streichung von Paragraf 218 auf die Straße gingen. In alten Ausgaben der Westend Nachrichten können Besucher*innen mehr über die Aktivitäten selbsternannter „Lebensschützer*innen“ und den Protest dagegen lesen. Seit den 2000er Jahren sind es immer wieder antifaschistische und feministische Gruppen bzw. Bündnisse, die zu Protesten gegen „1000-Kreuze-Märsche“ und andere Aktionen radikaler Abtreibungsgegner*innen in München mobilisieren.

Alle Exponate und Installationen sind mit Beschreibungstexten versehen, welche die Aktivitäten der jeweiligen Jahre beschreiben und einordnen. So heißt es z. B. im Text zum Jahr 2008, dass „unter den Demonstrierenden, die gegen den „1000-Kreuze-Marsch“ auf die Straße gehen, auch drei wandelnde Kondome sind. Der Münchner Polizei geht das zu weit und sie erteilt den drei Präservativen kurzerhand Platzverweise.“

Der rote Faden

Feminist*innen, die in München gegen den Abtreibungsparagrafen und selbsternannte „Lebensschützer*innen“ protestieren, brauchen ein dickes Fell. Denn wie ein roter Faden zieht sich das Thema Polizeigewalt durch die vielen Jahre der Proteste. Sei es bei den Gebetsmärschen oder größeren Protesten z. B. gegen den “Marsch fürs Leben“: Immer wieder kommt es zu physischer und psychischer Gewalt in Form von sexistischen Kommentaren oder Gewalt in Form von Pfefferspray und Schlagstockeinsatz durch die Beamt*innen.

Um auf diese Problematik aufmerksam zu machen, zieht sich ein roter Wollfaden durch die gesamte Ausstellung und mündet in einer von drei Sonderausstellungen. In diesen beschäftigen sich die Organisator*innen neben dem Thema Polizeigewalt auch mit den Protesten gegen die in München monatlich stattfindenden Gebetsmärsche radikaler Abtreibungsgegner*innen sowie mit digitalen Protestformen, die während der Corona-Pandemie an Bedeutung gewannen.

Weitere Werke und gemeinsamer Austausch zur Lösungssuche

Besucher*innen können darüber hinaus in den (queer-)feministischen Zines der Munich Zine Library blättern. Das ist eine selbstorganisierte, mobile Bibliothek, die Zines (kleine Druckerzeugnisse) verschiedenster Genres enthält. Besonders wichtig war und ist dabei der Erwerb von Zines marginalisierter Personen.

Außerdem können die Besucher*innen mittels einer Papierwand in den Dialog miteinander treten, um zu diskutieren, was es braucht, um Paragraf 218 StGB endlich Geschichte werden zu lassen.

Die Ausstellung findet im Rahmen der Veranstaltungsreihe „Antifeminismus von Rechts“ der Antisexistischen Aktion München, einem feministischen Kollektiv, und der Fachinformationsstelle Rechtsextremismus, die sich mit extrem rechten Aktivitäten in der Landeshauptstadt beschäftigt, statt.

Wie ihr bestimmt alle schon wisst, ist das Wortspiel in der Überschrift weniger kreativ, sondern viel eher der Name der Kunstausstellung, die ich am Samstag, den 16. Oktober 2021, besuchen durfte. Die drei jungen Künstler*innen Luca Japkinas, Salome Schröder und Trang Ngo Tien eröffneten an diesem Tag ihre gemeinsame Ausstellung im Feierwerk Farbenladen. Alle, die die 3G-Regel erfüllen konnten, durften ihre Kunst kostenfrei bestaunen- so wie Ich.

Die drei haben sich bereits in der 11. Klasse auf der Kunst-FOS kennengelernt und aufgrund der Tatsache, dass sie sich immer noch im gestalterischen Bereich bewegen, trafen sie sich wieder, um im Farbenladen gemeinsam auszustellen. Trotz der ähnlichen Berufsfelder zeigt die Ausstellung, wie unterschiedlich ihre Werke und Arbeitsmethoden doch sind.

Die Geschichte hinter der fertigen Kunst

Trotz ihrer zum Teil sehr unterschiedlichen Endergebnisse, sind sich alle drei einig, dass ein großer Teil ihrer Werke aus Emotionen herausgehen, die auch in den Werken eine gewaltige Rolle spielen. Sowohl Luca als auch Trang beschäftigen sich viel mit Einsamkeit und Anonymität, wobei Luca oft leere Räume als Kulisse wählt. Trang beschäftigt sich vor allem mit dem Leben in der Großstadt und hält dieses auf Fotos fest.

Obwohl ihre Werke und deren Entstehungen sehr persönliche Prozesse sind, wissen die Auszustellenden damit umzugehen. Luca achtet beispielsweise sehr darauf, sich etwas zu abstrahieren. Somit ist die persönliche Situation, aus der das Werk im Endeffekt entsteht, nicht immer klar erfassbar. Dennoch ist es ihm wichtig, dass die Beobachter*innen das Gefühl dahinter spüren.

Da Trangs Fokus, wie bereits erwähnt, auf der Großstadt liegt, können viele die Emotionen gut nachempfinden, was für sie auch unerlässlich ist. Mit der Hilfe ihrer Werke können Menschen etwas für sich erschließen und inspiriert werden.

Für Salome stehen die Emotionen ebenfalls klar im Fokus. Ihr ist es wichtig, dass man diese gemeinsam spüren und erfahren kann. Obwohl jeder Mensch eine eigene Wahrnehmung hat, gibt es dennoch immer Schneidepunkte in den Emotionen. Ihre Werke geben einen Art Leitfaden, jedoch handelt es sich um nichts Festes und sie ermöglichen viel Zugang für Eigenes. Ein Ziel ist unter anderem, dass Beobachter*innen etwas für sich selbst in Salomes Werken finden.

Die Pandemie hat die Künstler*innen nicht unberührt gelassen

Die Ausstellenden waren sich allesamt einig, dass die Pandemie ihre Arbeit definitiv beeinflusst hat. Dass die Themen Corona und Einsamkeit stark zusammenhängen, sollte jedem spätestens seit dem Lockdown klar geworden sein. Wenn man während Corona in die Studienzeit einsteigt, gestaltet sich das Knüpfen von neuen Bekanntschaften deutlich schwieriger. Außerdem ist man automatisch mehr mit sich selbst konfrontiert und setzt sich mit dem eigenen Innenleben auseinander. Diese Erfahrungen musste auch Luca Japkinas machen, dessen Kunst den Fokus der Einsamkeit trägt.

Auch Trang Ngo Tien beschäftigt sich in ihren Arbeiten viel mit Anonymität und beleuchtet diese mit ihrer Kamera aus unterschiedlichen Blickwinkeln. Das eigentliche Schulprojekt spielte sich während der Ausgangssperre ab, sodass sich das Finden von passenden Zeitpunkten als besonders schwierig herausstellte. Auch Salome hat die Pandemie stark beeinflusst. Sie ist sich sicher, dass sich dadurch ihr gesamter Fokus etwas verschoben hat und Personen nun noch wichtiger für sie geworden sind. Aber nicht nur Menschen, sondern auch Räume bedeuteten für sie während dieser herausfordernden Zeit Abwechslung und schenkten ihr neue Einflüsse und Inspirationen.

Inspirationen von Anderen oder für Andere?

Die Antwort auf die Frage, wie es sich anfühlt, für andere eine Inspiration zu sein, beantworteten alle drei mit einem Wort: Wow. Für Fremde und Bekannte eine Quelle der Inspiration zu sein, bedeutet für die Künstler*innen unglaublich viel. Obwohl es nicht das Endziel ihrer Arbeit ist, ist es für sie eine große Ehre, wenn sich Menschen Zeit nehmen, um sich auf ihre Kunst wahrhaftig einzulassen – so wie an diesem Abend im Feierwerk Farbenladen.

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Sie selbst wurden ebenso auf verschiedene Arten und Weisen inspiriert, sich mit Kunst zu befassen. Zum Einen wurden sie von anderen Menschen, teilweise auch Berühmtheiten, motiviert, was sich auch in ihren Arbeiten widerspiegelt. Ein großer Anteil kam aber auch durch ihre eigenen Persönlichkeiten zustande: Ein inneres Bedürfnis, das erfüllende und positive Gefühl während der Arbeitsprozesse und das eigene Bauchgefühl hat sie dorthin gebracht, wo sie heute stehen.

Sowohl Luca Japkinas als auch Trang Ngo Tien sind sich einig, dass Kunst für sie eine ganz besondere und magische Art des Ausdrückens ist. Oder wie Salome Schröder sagt:

„Für mich ist es auch wichtig, eine andere Sprache außer die verbale zu haben, um mich anders ausdrücken zu können und anders zeigen zu können, was ich denke, fühle und wie ich Dinge wahrnehme.“

Schlussendlich lässt sich nur noch sagen, dass die Arbeiten der drei Künstler*innen wirklich sehenswert sind und das gerne auch noch persönlich im Feierwerk Farbenladen. Nochmal vielen Dank an Luca Japkinas, Trang Ngo Tien und Salome Schröder für diesen unglaublich schönen Abend!

Als er vor zehn Jahren angefangen hat, zu zeichnen, war es sein Wunsch, irgendwann mal im Feierwerk Farbenladen auszustellen. Im September 2021 ist es dann endlich soweit: Julian Opitz stellt seine großartigen kuriosen Werke unter dem Titel „bunt getrieben“ dort aus. Bei der Vernissage erzählt er, was dahinter steckt und wie er seine Zeichnungen so fein aufs Papier bringt.

Es ist einer der wenigen schönen Spätsommertage, als Julian Opitz „bunt getrieben“ eröffnet. Auch wenn man meinen mag, das Wetter spielt bei einer Indoor-Ausstellung keine Rolle, genießen wir es doch alle sehr – erst drinnen Kunstwerke bestaunen und anschließend draußen anstoßen und gemütlich drüber plaudern.

Kombinieren, Karikieren, Kritisieren

„Was ist dein Lieblingsbild?“ fragen wir in die Runde. Gar nicht so leicht zu sagen. Alle Zeichnungen sind gut – nicht nur handwerklich beachtlich sondern vor allem auch spannend und lustig. Denn Julian spielt mit Motiven, Wörtern und Bedeutungen und verbindet alles zu kreativen, humorvollen und oft auch kritischen Kunstwerken.

Das Ergebnis sind Mischwesen, die gesellschaftliche oder politische Stereotype karikieren, Alltagserfahrungen kommentieren und häufig eine satirische und kritische Stoßrichtung haben.

Julian gelingt es, mit einer einzelnen gezeichneten Figur Vieles auszusagen und Gegebenheiten oder Charaktere auf den Punkt darzustellen. Mimik und Körperhaltung sind dabei jedes Mal so fein gezeichnet, dass direkt fühlbar wird, was in Mensch oder Tier vorgeht.

Kunst in Bild und Wort

Was bei Zeichnungen sonst oft nur Beiwerk für den Ausstellungskatalog ist, gehört bei Julian zum Werk dazu: die klangvollen Titel seiner Bilder machen das Kunstwerk oft erst komplett.

Seine Ideen entstehen durch ständiges Beobachten, Festhalten und Weiterentwickeln. Basis dafür ist sein wild schraffiertes Notizbuch:

Dann geht er mit Tusche und Buntstift ans Werk. Das Talent und den besonderen Blick für die Dinge hat er von seinem Vater. Er ist auch Zeichner und hat Julian unter anderem die Technik der Kreuzschraffur beigebracht. Dabei wird Linie für Linie parallel nebeneinander gesetzt, anschließend wird ein Bereich aus weiteren parallelen Linien kreuzend darüber gezeichnet. Hier muss man genau und konzentriert arbeiten, denn Fehler lassen sich nicht korrigieren. Gerade für diese Feinheiten lohnt sich eine Betrachtung von Julians Werken aus der Nähe. So cool die Motive auch sind, die sich ja auch ganz einfach online auf seiner Webseite anschauen lassen, so sehenswert sind die feinen Einzelheiten, aus denen sie bestehen.

Vielen Dank an Julian für diesen schönen Vernissage-Abend im Farbenladen!

Als teilnehmender Künstler ist es meist recht schwer, objektiv über seine eigene Ausstellung zu berichten. Aber es lässt sich kaum anders sagen: Sie war fantastisch!
Bei schönstem Wetter und trotz coronabedingter Zurückhaltung, konnten wir doch eine Menge Besucher bei unserer Ausstellung „DenkMalGeschützt“ im Feierwerk Farbenladen begrüßen, die sich viel Zeit für Diskussionen, Lob und überraschtes Staunen nahmen.

Mein Überschwang ist natürlich auch der Tatsache geschuldet, dass die Ausstellung „DenkMalGeschützt“ die erste Ausstellung von uns vier Künstler*innen seit etwa eineinhalb Jahren war.
Ausgestellt haben wir als „Amiko Art Collective“. Das sind Mitra Art (Mitra Woodall), Dink Artdesign (Dennis Sadiku) und MOLUSK (Sven Biller). Wir haben erstmals unsere Arbeiten zusammen mit der Künstlerin Veronika Spleiss gezeigt, die ab jetzt ebenfalls Mitglied des Kollektivs sein wird.
Unsere Arbeiten finden sich im Bereich der „Urban Contemporary Art“ wieder.

Hinterfragen, Diskutieren und Dialogisieren

Der Titel „DenkMalGeschützt“ soll natürlich kontrovers betrachtet werden. Denn geschützt war hier rein gar nichts und ein Denkmal hat uns bisher auch noch keiner errichtet. Aber zum Hinterfragen, Interpretieren und gerne auch Lachen sollte angeregt werden!
Denn spätestens seit den letzten großen Protesten in den USA ist gewiss, dass weder die Existenz noch die Unantastbarkeit von Denkmälern „in Stein gemeißelt“ sind. Das, was schon immer so war, darf und muss hinterfragt werden.
Auch während der aktuellen Corona-Krise gibt es eine Menge Meinungen und Thesen – fundiert oder aus dem Nichts geboren. Auch hier gilt: Hinterfragen, Diskutieren und der Dialog per se sind das Gebot der Stunde. Nicht nur in der großen Politik, sondern auch im Kleinen und Privaten.

Ein Spektrum, das verbindet und nicht trennt

Die Ausstellung im Feierwerk Farbenladen zeigte, dass auch ein grundsätzlich komplett unterschiedlicher Background und künstlerischer Ansatz ein stimmiges Ganzes für die Betrachter*in erzeugen kann – inhaltlich sowie optisch.

Unser Kollektiv ist sowohl in den Bereichen politisch motivierter Kunst, Portraits, Illustrationen, Comic-Art als auch der abstrakten Kalligraphie und Philosophie zu Hause. Ein weites Spektrum, das verbindet und nicht trennt und einen einzigartigen und bleibenden Eindruck bei dem*der Betrachter*in hinterlässt.
Explizit möchten wir dem Team des Feierwerk Farbenladens für die Organisation und für die tolle PR danken. Ebenso gilt unser Dank MUCBOOK für den Support.