„Es wird uns eine Leere sein“ – mit diesen Worten im Schaufenster begrüßt der Feierwerk Farbenladen im September zu seiner Ausstellung „Geschlossene Gesellschaft“. Der Münchner Christian Schmid hat während des Lockdowns die hiesige Kneipen-, Bar- und Clublandschaft festgehalten – vielmehr die Geisterstadt-ähnliche Stille, die vor den Türen bestand. Dort, wo normalerweise Leben und Trubel herrscht. Ein Besuch, und ein kleiner Rückblick.

Erinnerungen an die ganz „normale“ Zeit

Februar 2020, bestimmt erinnerst du dich noch daran. Du warst mit Freund*innen in einer Bar einen trinken, in einem Club die Nacht durchtanzen oder bist gemeinsam mit dir völlig Fremden vor der Bühne zur Musik deiner Lieblingsband herumgesprungen. Erinnerst du dich noch? Du hättest dir nie träumen lassen, dass die Situation einmal so aussehen kann, dass du nicht in deiner Stammkneipe die netten Leute vom Nachbartisch in ein philosophisches Gespräch mit einbindest. Dass du an dem Abend in deiner Lieblingsbar nicht mehr mit dem netten Mädl an der Bar anbandelst oder dreimal überlegst, ob du dein Online-Date auch wirklich in live kennenlernen wirst. Du bist spontan durch die Kneipen in der Anonymität der Nacht gezogen; dass irgendwann jede Bar deine Handynummer besitzen würde, daran hättest du nie gedacht. Denn damals war Corona noch ganz weit weg. Nicht hier bei uns, nicht hier bei dir.

Geschlossene Gesellschaft – die Münchner Kulturszene hat zu

Februar 2020 war alles noch „normal“, bis sich mit einem Schnips alles um 180 Grad gedreht hat. Corona war da und von einem auf den anderen Tag war deine Lieblingsbar, dein zweites Wohnzimmer, zu. Das Konzert, auf das du dich seit einem halben Jahr gefreut hattest, wurde abgesagt. Und spontan mal schnell im liebsten Café vorbei schauen, das gab es auch nicht mehr. Die Straßen waren leer , und das vor allem nachts. Geschlossene Gesellschaft. Die Situation kam einem wie ein schlechter Hollywood Streifen vor, nur dass das nun unser neuer Alltag sein sollte. Nach einer Weile hattest du dich daran gewöhnt, bist halt mehr daheim geblieben. Hast dich geärgert, dass du jetzt nochmal warten musst, bist du deine Lieblingsband live sehen kannst. Aber dir war klar: es wird schon wieder. Du bist in deinem neuen Alltag angekommen, und so richtige Gedanken hast du dir nicht mehr gemacht. Denn es wird ja irgendwann rum sein, dachtest du.

Solidarität mit den Kulturschaffenden!

Wer sich jedoch während des Lockdowns sehr viele Gedanken gemacht hat, ist Christian Schmid. Er hat sich gefragt, was mit seinen liebsten Bars und Clubs eigentlich los ist? Was soll aus denen werden? Aus all jenen, die auf ewig mit vielen unserer Erinnerungen verhaftet bleiben würden. Irgendwie wollte er ihnen helfen. Also kauften Christian und seine Freundin alle möglichen Solidaritäts-Artikel der Club & Bar Szene ein. Von Shirts über Jute-Beutel bis hin zu Gutscheinen – alles war dabei. Doch das hat ihnen nicht gereicht, sie wollten viel mehr tun. Sie entschieden sich dazu, auf die kulturelle Misere in unserer Stadt aufmerksam machen zu wollen, und zogen auf dem Fahrrad mit ihrer Kamera bewaffnet nachts los durch die Straßen. Sie nahmen Fotos von menschenleeren Straßen, erloschenen Leuchtschildern und bedrückender Stille auf. An den Plätzen, wo normalerweise hunderte Leute eng umschlungen nebeneinander standen und ihr Leben lebten, herrschte nun gähnende Leere.

Geteilt werden sollten die Bilder auf Instagram. Begonnen haben sie mit ihren Lieblingsorten, dann weiteten sie die Aktion auf insgesamt knapp 90 Portraits von Clubs, Konzert-Locations und Bars, wo nicht eine Menschenseele mehr war, aus. Entstanden ist dabei das Foto-Projekt „Geschlossene Gesellschaft“. Es zeigt Orte, wo sich normalerweise Jung und Alt tummeln, um gemeinsam einen schönen Abend zu verbringen. Orte, an denen es vollkommen normal war, dass man auf neue Menschen getroffen ist. Mit der Ausstellung im Farbenladen möchte Christian darauf aufmerksam machen, dass nach wie vor – obwohl das Meiste wieder offen hat – vor allem die Ausgeh-Szene noch lange nicht über den Berg ist.

Nicht nur für uns – sondern für alle, die noch kommen

Klar gibt es jetzt die Freischankflächen, und wir können bei der Sommerbühne im Stadion oder den Live-Sessions im Feierwerk wieder ein klein wenig zur Kultur-Normalität zurückkehren. Jedoch sollten wir auch daran denken, was alles steht und fällt, sollte sich nicht schleunigst etwas ändern. Denn es sind nicht nur ein paar schöne Abende, die unter der aktuellen Lage leiden, sondern vor allem auch die Menschen, die uns diese schönen, obig erwähnten Erinnerungen bereiten. Sozusagen die Seele der Kultur und die Zukunft der Szene. Bei meinem Gespräch mit Christian erwähnte er seine Kids, und dass er mit der Ausstellung auch zeigen möchte, was unseren folgenden Generationen entgeht, sollten wir nicht endlich helfen. Denn denkt man zurück an die Zeit, wo man seine eigene Persönlichkeit entwickelt hat, führt vieles auf Orte zurück, die aktuell in einer ziemlichen Misslage stecken. Da stellt sich mir die Frage: wo sollen die zukünftigen Generationen an Metaller*innen hin, wenn das Backstage nicht mehr am Hirschgarten steht? Wo sollen junge Bands und Künstler*innen hin gehen ,wenn sie ihre erste Auftrittsmöglichkeit im Feierwerk nicht mehr finden? Wo sollten Uni-Erstis hin gehen, wenn das Barschwein zu ist? Jede*r von uns ist in genau solchen Läden erwachsen geworden und hat hier tolle Menschen kennengelernt, die einen immer noch begleiten. Wir haben gegen die Eltern rebelliert und Leute gefunden, die die eigenen Gedanken teilen. Es ist so viel mehr, was wir verlieren können, als nur einen schönen Abend mit den Freund*innen.

So könnt ihr die „Geschlossene Gesellschaft“ unterstützen!

Jetzt fragt ihr euch vielleicht: „Wie kann ich helfen? Ich will, dass auch meine Kinder ihren Platz auf der Welt finden, genauso wie ich!“ Christian hat mit seiner Ausstellung ein einfaches Konzept entwickelt: Er verkauft die Drucke. Der Erlös für jedes verkaufte Bild wird an die jeweilige Location gespendet. Er hofft, so zumindest ein klein wenig für die Betreiber*innen tun zu können, und so dem Kultur-Sterben entgegenzuwirken. Vielleicht ist eure liebste Bar, euer Lieblingsclub oder eure liebste Konzertlocation ja auch bei „Geschlossene Gesellschaft“ dabei? Schaut doch mal vorbei und begebt euch auf die Suche. Und schwelgt in Erinnerungen an Abende, die hoffentlich wieder kommen werden.

René Arbeithuber ist Künstler, Grafik-Designer und Nutzer des ÖNVs. Im November hat er seine neusten Werke, die eine Synthese zwischen der analogen Fotografie und der digitalen Welt ergeben, im Feierwerk Farbenladen ausgestellt. Gemeinsam mit seinem Künstlerkollegen Alexander Schuktuew präsentierte er an vier Wochenenden PRODUCT VISION / ILLUMINATA NOCTA EST.

Der Grundstein der Ausstellung wurde in der U-Bahn gelegt

Früh morgens. In dieser Jahreszeit kommt man kaum aus dem kuschelig warmen Bett. Hat man diese erste Hürde mit einer Tasse Kaffee hinter sich, muss man weiter vor die Tür und wer „Pech“ hat,  quetscht sich nochmal eine Stunde wie die Ölsardine in die Bahnen des öffentlichen Nahverkehrs. Anstatt in freundliche Gesichter zu blicken oder bei einem netten Gespräch über dies und jenes mit älteren Damen die Zeit verfliegen zu lassen, starren wir alle in das kleinste Entertainmentsystem in unseren Händen. René Arbeithuber hat es aber besser gemacht. Anstelle der verplemperten Zeit auf Netflix, Instagram und Co. hat er hier in den öffentlichen Verkehrsmitteln den Grundstein für seine Ausstellung gelegt. Er hatte keine Lust mehr, diese zwei Stunden sinnlos verstreichen zu lassen und begann mit seinem neusten Projekt: Product Vision.

Bei Product Vision stehen die Gesichter im Fokus – fast

Wie schon bei seinen letzen Kunstwerken wollte René Arbeithuber wieder Gesichter in den Fokus stellen. Anstatt diese aber klar erkennbar und mit ihnen um den Kopf herum wirrenden Schlagwörtern vorzuführen, wollte er eine gewisse Immunität bei seinen neusten Werken schaffen. Ähnlich wie in der Bahn auf dem Weg in die Arbeit, oder kannst du dich an deinen Sitznachbar von heute morgen erinnern? Er suchte sich einen Haufen historischer Portraits auf seinem Handy und probierte hunderte Lichtverläufe mit einer App aus. Wochenlang wischte er über die Bilder, über die Gesichter, über die Blicke der Portraitierten, bis schließlich gefühlt tausende Entwürfe abgespeichert waren. Das Aussortieren war dann gar nicht so einfach. Aber wie bei der Gauß’schen Matrix teilte er die Anzahl immer durch die Elfte, bis irgendwann für jeden Entwurf nur noch ein finales Werk vorhanden war. Um diese Werke nun von Hand weiterzuführen, lies er sie im Großformat drucken und spannte sie anschließend auf zehn große Leinwände. Die digitalen Grundlagen waren nun analog.

Experimente auf Leinwand

Die Werke waren so schon recht schön und haben den Kern getroffen, also wie kommt man jetzt darauf, digitale Ausdrucke um Pinsel und Farbe zu erweitern? René Arbeithuber kommt ursprünglich aus der Street Art Szene, hatte aber – als ihm hier alles immer ähnlicher erschien – keine Lust mehr auf das klassische Vertaggen der Wände. Er fing an, auf den Leinwänden zu experimentieren. Mit Spray, mit Farbe, mit Spachtel und mit Fotografien. Diese Form konnte man auch noch in seinen älteren Werken sehen, die im Rahmen der Ausstellung im Untergeschoss des Farbenladens aufgehängt waren. Hier wurde noch auf einem schwarz-weiß Bild mit Wörtern gearbeitet – die neuen Werke haben sich nun davon gelöst. Das war für René Arbeithuber gar nicht so leicht. Er wollte sich mit seinem neuen Stil auf ein neues Terrain begeben und eine neue künstlerischen DNA zum Vorschein bringen.

Betrachtet man Renés Bilder, so sieht man Portraits, bei denen einem die Szenerie bekannt vorkommt. Das bunte Ausblurren der Mimik lässt jedoch nicht hinter die Facette der abgelichteten Personen blicken. So nahbar die Bilder wirken, so fern sind sie auch wieder weg. Ein Bild ist mir bei Product Vision ganz besonders aufgefallen. Hier hat René Arbeithuber zwei Portraits übereinander gelegt und dann gemeinsam unkenntlich gemacht. Sofort in der ersten Sekunde musste ich bei der Frisur an den Fußballspieler Christiano Ronaldo denken, allerdings rankte ein langer weißer Bart und weißes Haar unter dem Regenbogen-Verlauf hervor. Ähnlich wie die klassischen Bilder von Karl Marx, die ich noch aus meinem Geschichtsbuch kenne. Und so ähnlich ging es mir bei fast jedem Bild. Sie kamen mir unfassbar bekannt vor, doch sie waren nur unbekannte Portraits aus einem der vielen vorherigen Jahrhunderte.

Reale Menschen und ihr digitales Gegenüber

Aber warum hat René Arbeithuber die Portraits bei seinem Product Vision Projekt unkenntlich gemacht? René wollte einen Mix aus der digitalen und der realen Welt schaffen – ungefähr so wie in der U-Bahn. Wir sind alle reale Menschen in einem realen Raum, aber trotzdem hängen wir alle vor einem kleinen digitalen Bildschirm ab. Anstelle unsere kreativen Gedanken mit anderen zu teilen, halten wir diese im realen Leben zurück. Online kann jede/r jede/r sein. Der verschrobene IT-Experte ist eine Elfe in einem Multi-Channel-Game und die strenge Wirtschaftsprüferin ist eine Frau, die ihre Liebe zu Mode und Kunst auf Instagram auflebt. Ist nicht genau das auch das schöne an der digitalen Welt? Sie kann das kreative Ventil sein für die graue Konservendose, in der wir manchmal stecken.

Fotos: René Arbeithuber

Unter dem Motto „Frutti Tutti“ haben im September 2019 die sechs verschiedenen Künstler BRNZN, BURNS124, MANGONE, MARTIN GERSTENBERGER, NILS JENDRI und ODOUR ODESSA in den Feierwerk Farbenladen geladen und damit die italienische Riviera direkt an den Rande des Westparks in München geholt.

Wo ist der Sommer hin? Wo ist er geblieben? Das habe ich mich Anfang September erst gefragt. An dem einen Tag lief die Suppe noch von meiner Stirn, am anderen hab ich meine Jeansjacke und den Pulli gar nicht ausziehen wollen. So ging es mir zumindest am ersten Donnerstag im September auf dem Weg zur Vernissage von „Frutti Tutti“ im Feierwerk Farbenladen. Die Hitze schien kurzerhand ausradiert worden zu sein. Auf jeden Fall wirkte es hier in der realen Welt so. Denn mein Social Media Feed sah ganz anders aus. Dieser wurde nur noch überhäuft von weißen Sandstränden und tropfenden Eistüten. Neid machte sich in mir breit. Mal wieder verfluchte ich mich dafür, die Bildchen-App geöffnet zu haben, Leute und ihr überperfektes Leben zu betrachten und fragte mich, wofür wir uns das überhaupt antun. Die meisten Leute, denen ich folge, kenne ich persönlich gar nicht. Dass man Instagram jedoch auch ganz anders nutzen kann, als nur zur Selbstdarstellung des eigenen „großartigen“ Lebens, erfuhr ich durch die neue Ausstellung im Farbenladen.

Gesucht und gefunden auf Instagram

FRUTTI TUTTI öffnete seine Pforten nämlich an besagtem Mist-Wetter-Tag. Auch wenn mich keine strahlende Sonne hier erwartet hatte, nahm es mir kurzzeitig den grauen Alltagstrott von den Schultern. Schon beim Öffnen der schweren Glastüre, die mit dem Pizza-Karton-Motiv des Feierwerk September-Programms beklebt war, das gleichzeitig auch das Titelbild dieser Ausstellung darstellt, kam mir der Duft leckerer Pizzen entgegen. Die Künstler hatten sich noch für den bevorstehenden Andrang bei ihrer Vernissage mit der italienischen Leckerei gestärkt. Ich ließ sie erst einmal fertig schmausen und schaute mich in Ruhe um. Jeder der sechs Künstler widmete sich in jeweils einer Ecke im weitläufigen Farbenladen mit seiner eigenen Interpretation von Street Art. Was mir sofort ins Auge fiel, waren die akkurat aufgehängten Fotografien an Graffitis von BRNZN. Direkt daneben hingen dreidimensionale Porträts von MANGONE, die an hippe Ureinwohner Südamerikas oder leidenschaftlich gestikulierende Italiener erinnerten. MANGONE erklärte mir, nachdem er mit seiner Pizza fertig war, dass er und die anderen fünf sich bis zu der Ausstellung noch gar nicht persönlich gekannt hatten. Alle waren zwar über Instagram miteinander verbunden und mochten die Werke voneinander – im wirklichen Leben waren sie sich zuvor jedoch noch nie begegnet. Er empfand es als eine spannende Reise, die Ausstellung genau mit diesen Voraussetzungen aufzubauen.

Frutti Tutti bringt den italienischen Sommer nach München

Also trafen sie sich die Wochen vor der Vernissage die ersten Male und besprachen einen ungefähren Rahmen für FRUTTI TUTTI. Am Ende wurde sich darauf geeinigt, dass die Werke das Gefühl vom jährlichen Urlaub an der Riviera transportieren sollten. Dabei halfen grelle Farben, expressive Linienführungen und eine gewisse Unbekümmertheit in der Pinsel- und Spraydosen-Führung der Künstler. Besonders freudig und gelöst wirkten die Comic-Art-Werke von MARTIN GERSTENBERGER. Hier lächeln einem bekannte und weniger bekannte Kult-Figuren freudig entgegen. ODOUR ODESSA hingegen gab mir einen interessanten Blick aus dem Farbenladen hinaus. Mit der Installation eines übergroßen Kopfes, durch dessen linkes Auge ich nach draußen blicken dufte, konnte ich die an ihrer Bikini-Figur arbeitenden Sportler*innen auf dem Spinning im Gebäude gegenüber beobachten.

Ich drehte mich schnell wieder um, damit mein schlechtes Gewissen nicht wuchs, und blickte auf das bunte Wirrwarr, das die Werke von NILS JENDRI in der ersten Sekunde aufzeigen. Bei genauerem Hinsehen erkannte ich eine Struktur zwischen den bunten Klecksen, Strichen und Farbverläufen. Mich erinnerten Nils‘ Malereien an eine Windschutzscheibe, auf die nachts Massen von Wasser vom Himmel prasselten. Fast genauso, wie gerade draußen vor der Tür. Man erkennt nicht richtig, was hinter der Wasserfront steckt, aber die Lichter der entgegenkommenden Autos liefern einen verschwommenen Umriss von den Häusern und Geschäften, die sonst dort zu sehen sind.

Immer noch mit dem Pizza-Duft in der Nase fing auch mein Magen an, sich zu melden. Ich setzte mich mit dem Feierwerk-Programm auf die Fensterbank und dachte mir bei den strahlenden Kunstwerken an den Wänden und der warmen Stimmung dieser Ausstellung: Eigentlich brauche ich gar nicht mehr in den Urlaub an den Strand. Entschleunigung bekomme ich auch hier. Nur eine Pizza wäre jetzt noch fein.

2019 – und immer noch denkt man beim Berufsbild der Fotografen meistens an ein Wesen mit männlichen Merkmalen, das durch die Linse der Kamera blickt und auf den Auslöser drückt. Bei der Ausstellung 14x2m im Feierwerk Farbenladen möchte die Fotografin VERENA VÖTTER gemeinsam mit 13 weiteren Kolleginnen diesen längst überholten Gedanke aus den Köpfen der Leute schaffen. Auf jeweils zwei Metern zeigen die 14 Fotografinnen, was sie alles drauf haben. Ein einheitliches Motto haben sie sich dabei nicht überlegt. Jede Frau zeigt ihren ganz persönlichen Stil. Dabei sind 28 Quadratmeter Sehenswertes entstanden, die einem mit jedem Meter aufs Neue in die Momentaufnahmen fesseln.

Die Ausstellung ist nicht nur für Frauen

KATRIN WINNER, TINA ENGEL und SANDRA ECKHARDT haben verschiedenes Obst, frittierte Fische und zum Dahinschmelzen schönes Eis in ihren Fotografien festgehalten. Trendige Fashion-Ablichtungen, die einen zum Durchstöbern von Kleiderkreisel nach solch hippen Teilen animieren, gibt es von LINDA LEITNER, KAJ LEHNER und VERENA VÖTTER. Bei der Ausstellung ist wirklich für „jedefrau“ und natürlich auch jedermann das Passende dabei. Bei den Werken von ISABEL WINCKLER und MARY GOLDAU möchte man am liebsten direkt beim Yoga auf der Terrasse oder bei einer Partie auf dem Tennisplatz mitmachen. Atemberaubende Naturschauspiele lichtet JANA ERB ab. Mit den von MIRJA KOFLER porträtierten Frauen würde ich mich gerne in ein Gespräch verwickeln und bei den Momentaufnahmen von LARA FREIBURGER, SABINE DECKER, ANDREA MÜHLECK und FRANCA HOYER wünscht man sich ein wenig die „Live-Aufnahme“ herbei, um zu erfahren, wie diese Momente begonnen haben und wie sie weiter gehen werden.

Hier sind Fragen erlaubt und erwünscht

Die 14 Fotografinnen möchten mit ihrer Ausstellung 14x2m Frauen Mut machen und ihnen vermitteln, dass sie sich nicht verstecken müssen, auch wenn die Fotografie immer noch, nach außen hin, wie eine Männerdomäne wirkt. Bei der Ausstellung geht es um Frauenpower. Kennengelernt haben sich die Fotografinnen über ein gemeinsam aufgebautes Netzwerk, für das sie sich immer einmal im Monat zusammensetzen und wichtige Themen bequatschen. Die Funktion dieses Frauenverbandes ist der gegenseitige Support, Fragen stellen zu können und auch Nachwuchs-Fotografinnen auf ihrem Weg zu unterstützen. Passend dazu veranstalten sie während der Ausstellung für junge Talente eine Frage-Antwort-Runde im Farbenladen. Neben den Fotografinnen selbst, erzählt mir KAJ LEHNER, können an diesem Nachmittag auch Dozenten der Fakultät für Design der Hochschule München zu wichtigen Fragen zum Berufsfeld der Fotografie interviewt werden.

Inspirierend in vielerlei Hinsicht

Der schöne Nebeneffekt dieser Ausstellung ist, dass sie jeden dazu inspiriert, das anzupacken, worauf man selbst gerade Lust hat. Sei es die Reise in die Natur, das Ausprobieren farbenfroher Rezepte oder einfach nur den eigenen Stil auszuleben. Die Fotografien inspirieren, die innere Euphorie nach außen zu tragen und sich gegenseitig in den unterschiedlichsten Lagen zu unterstützen. Ganz nach ihrem Motto „Miteinander, statt gegeneinander“.

Im März steht der Feierwerk Farbenladen voll und ganz im Zeichen des Graffiti. Beastiestylez hat ihre Crew eingepackt und lässt gemeinsam mit ihnen den Farbenladen und seine Umgebung im Glanz der bunten Malereien erstrahlen. Um mehr über ihre Ausstellung und ihr großes Projekt zu erfahren, habe ich mich mit Beastiestylez und ihren befreundeten Künstlern Loomit, Eazy und Lion Fleischmann (Gjör Barée war leider verhindert) während dem Aufbau im Farbenladen auf einen kleinen Plausch getroffen.

Hier zählt Freundschaft vor Ruhm

Analog zu ihrer letzten Ausstellung im Farbenladen vor zwei Jahren ist auch dieses Mal „Beastiestylez & Friends“ der Name des Projekts. Jetzt denkt man sich vielleicht: „uh keine bessere Idee mehr gehabt?“ Nein, es passt einfach kein anderer Titel so gut wie dieser, denn Beastiestylez sucht ihre Mitaussteller immer nach Freunden aus, und nicht nach Namen. So hat sie eine Hand voll gut befreundeter Graffiti-Virtuosen und Malerei-Zauberern mitgebracht, die auch im Nachhinein einen bleibenden Eindruck im Farbenladen hinterlassen werden.

Selbst Ausstellungsmuffel sagen JA zum Farbenladen

Den Einfall für die gemeinsame Ausstellung hatten sie und ihre Freunde Eazy und Loomit während eines monsunartigen Sommerregens im Haus der Kunst. Loomit ist laut eigener Aussage eher ein „Ausstellungsmuffel“. Bei der Idee von einer Ausstellung im Farbenladen hat er aber ohne mit der Wimper zu zucken eine Ausnahme gemacht. Er findet es toll, wie viele seiner befreundeten Kolleg*innen schon an diesen Wänden hingen. Kennen tut die Gruppe sich durch die verschiedensten Ausstellungen und Zufälle. Lion Fleischmann hatte Beastiestylez damals bei einer Ausstellung in der Nähe des Waldfriedhofs das erste Mal entdeckt.

Vom Fan zum Kollegen

Beeindruckt von den fantasiereichen Figuren von ihr, die als Statisten der „Alice im Wunderland“-Saga durchgehen würden, kopierte Lion Beastiestylez‘ Werke sogar heimlich zu Hause. Beastiestylez war sozusagen der Startschuss für seine markanten Illustrationen, erzählt er mir. Eazy entdeckte das Talent der Münchner Künstlerin bei ihrer ersten Ausstellung 2005, und Loomit ist sozusagen das Urgestein der Graffiti-Szene in der Stadt. Auch wenn die Werke aller einem anderen Stil entsprechen, war der Ursprung ihrer Kunst ziemlich ähnlich. Sie haben die Malereien an Bahnstrecken gesehen und hatten darauf einfach Bock. „Wie es andere auch beim Fußball haben […] weil man’s geil findet“, sagt Lion. Bei allen steckt der Ursprung ihrer Kunst in den Kritzeleien, als sie klein waren. Als sie noch in den Kinderschuhen steckten, brauchte man ihnen nur ein Blatt Papier und ein paar Stifte in die Hand drücken, und schon waren sie für Stunden beschäftigt.

Vom Papier auf die Steinwand

Auf Papier kritzeln sie heute immer noch, allerdings mit dem Ziel, eine gemeinsame Wand zu gestalten. Visuell funktioniert das Verständigen zwischen den Künstler*innen nämlich am schnellsten. Bis zum Ende ihrer Ausstellung möchte die Truppe auf einer Wand, die sich draußen links neben dem Farbenladen befindet, ein fettes Graffiti gestalten. Motto des Werks ist die aktuelle Wohnungsnot in München, die auch vor den Künstler*innen keinen Halt nimmt. Zu sehen gibt es einen arbeitslosen „Poormuckel“, der gemeinsam mit einem obdachlosen Meister Eder traurig vor der grauen Stadt und seiner geschlossenen Werkstatt sitzt. Die Idee zum Thema der Wand hatte Lion: er ist selbst seit mehreren Wochen auf der Suche nach einer neuen Wohnung, und diese gestaltet sich alles andere als leicht.

Die Entstehung des Graffitis gestaltet sich als „Work in Progress“. Während der ganzen Zeit, in denen die Gruppe im Farbenladen residiert, beschäftigen sie sich mit der Fertigstellung der Wand; bis zur Finissage soll sie fertig sein. Wer die Künstler*innen in Aktion erleben möchte, kann gerne vorbeischauen. Von süßen Omas, über kleine Kiddies bis hin zu einem vor Begeisterung aus dem Rollstuhl aufstehenden Kerl, war die Resonanz  über diese gemeinsame Wand-Aktion bislang durchweg positiv. Aber kein Wunder: die Kreativität von Beastiestylez und ihren Freunden ist einfach ansteckend.

Garantiert habt ihr mich schon mal irgendwo im Feierwerk gesehen. Im Café Kranhalle hänge ich rechts neben dem Zugang zur Bühne. In der Hansa 39 schaue ich euch in die Augen, während ihr darauf wartet, dass die netten Jungs und Mädels euch eure Jacken und Taschen an der Garderobe abnehmen. Im Sunny Red starre ich euch an, wenn ihr mal schnell verschwinden müsst. Ich bin 21 x 10 cm groß, wenn ihr mich das erste Mal seht und in die Hand nehmt. Entfalte ich meine volle Informationspracht, wachse ich um das Sechsfache. Jeden Monat bekomme ich ein neues Kleid, frisch designt von Künstler*innen im Feierwerk Farbenladen. Wer ich bin? Das monatliche Print-Programm vom Feierwerk.

Schon seit einigen Jahren trefft ihr mich auf Konzerten und Partys, oder bekommt mich von unseren Promoter*innen auch außerhalb des Feierwerks in die Hand gedrückt. Wie ich an das Ziel komme, euch über tolle Veranstaltungen zu informieren, erzähle ich euch jetzt.

Vom Layout bis zum Proof

Am Anfang heißt es für die Abteilung Öffentlichkeitsarbeit im Feierwerk: Datenbank checken, Termine sammeln und sämtliche Konzert- und Partyveranstaltungen auflisten. Ist der Monat voll, gehen die Termine aufbereitet weiter an den Grafiker, der das Layout erstellt. Nach einigen Korrekturrunden über die Öffentlichkeitsarbeit, wird eine digitale Version von mir an die Druckerei weitergeleitet. Dort angekommen, bekomme ich eine eigene Mappe. In dieser landet einer meiner älteren Brüder sowie alle Infos zum neuen Auftrag. Sobald alles zusammengestellt ist, wird die Mappe weitergegeben an die Herren der Mediagestaltung. Hier werde ich als Grafik auf die Größe der zu druckenden Flächen angepasst und es wird festgelegt, wie die Drucker mich auf das Papier bringen müssen. Sobald der Gestalter fertig ist, sendet er einen sogenannten „Proof“, eine Art digitalen Probeabzug, an das Feierwerk und dessen Grafiker. Geben diese mein neues Outfit frei, geht’s weiter zur Belichtung.

Bei der Belichtung werden meine Inhalte erst mal auf Aluminiumplatten aufgeteilt. Insgesamt vier davon gibt es, für jede Grundfarbe eine. Pro Ton werden auf die Platte bestimmte Flächen eingeätzt, die beim Drucken im Anschluss dann nur ihre zugeteilte Farbe tragen. Sind alle vier Platten durch die blaue, nach faulen Eiern riechende Flüssigkeit, durch, darf ich mich erstmal die Nacht über ausruhen, bevor es am nächsten Tag weiter zu den Druck-Maschinen geht.

Lautstark in den Druckwalzen

Einige Stunden sind vergangen, die Sonne geht auf und ich starte meinen Weg zur nächsten Etappe. Jetzt wird es laut. Je näher ich den Maschinen komme, desto aufgeregter bin ich. In der großen Halle angekommen, laufen die 3 Off-Set-Drucker schon auf Hochtouren. „Sche-Schick, Sche-Schick, Sche-Schick“ lassen die 6 x 1,50 m langen Drucker im konstanten Rhythmus von sich lauten. Ein bisschen schläfrig wird man davon. Irgendwann ist der vorherige Druck eines Verlages fertig, und meine Zeit ist gekommen. Mit einem Hebel knicken die Drucker (so heißen auch die Angestellten, die sich um mich kümmern) meine Enden um, damit ich mich auf den Walzen in den Maschinen festkrallen kann. Sind die Platten alle richtig eingespannt, holen die Helfer das passende Papier aus dem Lager. Das wird richtig platziert, und der erste Druck vom neuen Programm startet. Am anderen Ende wartet schon der Meister auf mich und zieht ein Exemplar vom bedruckten Stapel heraus. Damit mein Aussehen auch perfekt ist, wird der Druck auf einem speziellen Tisch abgelegt. Dieser ist in bestimmte Zonen aufgeteilt, und der Meister kann hier meine Farben optimieren.

Ist das Logo zu rot geworden, wird einfach in der markierten Fläche die Farbe reduziert. Alle bereits von mir gedruckten Versionen landen im Altpapier und erst jetzt, wenn alles passt, werden auf maximaler Geschwindigkeit Tausende meiner Vorderseiten gedruckt. Nach gut eineinhalb Stunden steht nun ein riesiger Stapel vor dem Drucker. Da wir allerdings noch ganz frisch sind, müssen wir uns zunächst noch eine Stunde ausruhen, bevor es mit der Rückseite weiter geht. Hierfür werden jetzt auch neue Platten in der Maschine eingespannt. Sobald nichts mehr verwischt und alles trocken ist, wird der große Stapel Vorderseiten wieder nach hinten gefahren und eingespannt. Jetzt startet Runde Zwei, genauso wie zuvor: Drucken – Prüfen – Verbessern – Drucken – fertig. Nach weiteren eineinhalb Stunden haben wir für diesen Tag erstmal Ruhe. Die Helfer fahren mich und meine Programm-Kollegen ins Lager, wo wir für einige Stunden schlafen dürfen.

Falzen links, falzen rechts, fertig!

Irgendwann in der Nacht werden wir dann aus den Träumen gerissen und geweckt – von Mitarbeitern aus der Buchbinderei. Anders als der Name vermuten lässt, werde ich hier zunächst meinen weißen Schnittrand los. An überdimensionalen Hobelschneidern werde ich schließlich von meinen Zwillingen getrennt. Ritsch, ratsch und schon liegen wir alle ganz alleine aufeinandergestapelt da. Im Anschluss geht es zu unserer letzten Station. Da wir in unserem vollen Format sehr unhandlich sind und es auch schwierig wäre, uns so groß in den Feierwerk-Locations zu platzieren, bekommen wir jetzt unsere Falten. Im Fachjargon werden wir zu einem 2-Zickzack-Falz mit Kreuzfalz zusammengelegt. Da es wahnsinnig wäre, das alles per Hand zu erledigen, legt uns einer der Buchbinder in eine Maschine ein, die das erledigt. Als Erstes bekommen wir die zwei horizontalen Kanten, mit der ihr uns wie eine Ziehharmonika aufklappen könnt. Anschließend kommt dann die vertikale Falz, damit wir besser in eure Taschen passen. Sind alle Exemplare gefalzt, werden wir in handliche Stapel aufgeteilt und in Kartons für unsere Reise in die Hansastraße vorbereitet.

Und was jetzt? Schaut doch einfach mal bei uns vorbei und guckt euch unsere jüngste Version an. Wir können es kaum erwarten, euch über die anstehenden Konzerte, Partys und die aktuelle Ausstellung im Feierwerk Farbenladen zu informieren. Einen Monat lang findet ihr mich und meine Geschwister an vielen Stellen in ganz München, bis im nächsten Monat dann die neue Runde kommt.

Egal, ob man den Fernseher einschaltet, seinen Social Media Feed durchscrollt oder sich die Zeit beim Warten auf die U-Bahn mit Blicken auf die Infoscreens vertreibt – es vergeht momentan kein Tag ohne eine neue fette Schlagzeile in den Medien. Es geht um Korruption, Arbeitslosigkeit und das Liebesleben der High Society. Wie soll man sich da noch zurechtfinden, in diesem Gewusel an Informationen? Einen Weg hat das Künstlerduo ConfaisWeiß gefunden. Ihre neue Ausstellung STIMULUS GLORIOSUS im Farbenladen ist inspiriert davon, aber dreht sich nicht um die Header, die die Bürger bewegen.

Nicolas Confais und Jakob Weiß tauschen sich gerne über mehr oder weniger wichtige Themen aus. Jeden Sonntag trifft sich das Künstlerduo ConfaisWeiß und quatscht über das aktuelle Weltgeschehen. Bei ihrem Meinungsaustausch treten manche Themen ein Rollen in ihren kreativen Köpfen los. Ist die Idee der Umsetzung gefunden, dreht sich nur noch wenig um das ursprüngliche Thema selbst. Confais und Weiß fangen an, sich über Farben, Muster, Materialien und ihre fertige Präsentation Gedanken zu machen.

Kein Kommentar ist ein Kommentar

Das Thema selbst gerät dabei in den Hintergrund. Und das ist gut so! Denn den „Malerfürsten“, wie sie sich gerne nennen, geht es in erster Linie um die Kunst, und nicht um ein Statement. Ihre Werke sollen kein Kommentar sein, auch wenn das nicht ganz einfach ist. Denn auch „kein Kommentar ist ein Kommentar“, so Nicolas Confais. Schön ist es natürlich trotzdem, wenn sie mit ihrer Kunst Leute zum Nachdenken bringen.

An einer Wand hängt ein grell gelbes Gemälde. Es zeigt vier typische Süßwasserfische, die die Herzen vieler Hobbyangler höher schlagen lassen. Davor stehen ein pinker Klappstuhl mit Getränkehalter und ein klassisches UKW Radio, damit der Fischer bei der gähnenden Stille am See nicht einschläft. Eine Szene, die sich jeder gut vorstellen kann. Dass der Ursprung dieses Werks eigentlich eine Nachricht zu Vladimir Putins Angelurlaub ist, lässt nur der Titel „Siberian Vacation“ erahnen.

Jedes Werk hat seinen ganz persönlichen Teaser

Im Feierwerk Farbenladen hat das Duo insgesamt elf Werke ausgestellt, die sich rund um Schlagzeilen zwischen Sommer 2017 und Herbst 2018 drehen. Die Ausstellung startet mit einem Video.  Auf einem TV-Screen spielen ConfaisWeiß ihre online geteilten Teaser ab.  Die Jungs haben sich im heutigen Zeitalter der modernen Medien damit eine eigene Methode ausgedacht, um ihr Publikum auf ihre Werke heiß zu machen. Zu jeder Installation teilen sie im Vorhinein in sozialen Netzwerken Teaser-Videos, die nur grob auf das fertige Werk schließen lassen. Was sich aber durch die Videos zieht, ist ihr konstant bleibendes Outfit: Seiden-Morgenmäntel. In einem ihrer Videos düsen sie beispielsweise auf einem krachenden Rasenmäher über ein Fußballfeld. Das Werk dazu wurde eine Fläche schwarz und pink eingefärbter Kunstrasen, umrandet von einem pompösen antiken Rahmen. „Anlass“ war die Korruption bei der der FIFA-Weltmeisterschaft.

Von Steuerskandalen bis zur Hochzeit eines Baywatch-Stars

Damit auch jeder den Auslöser für die Werke nachempfinden kann, haben die Zwei extra einen Plan der Ausstellung mit Zitaten ihrer Quellen versehen. Keine Angst – der Interpretation sind trotzdem keine Grenzen gesetzt. Was würdet ihr denn bei einem aus 3x3x3 Alu-Dosen gestapelten Quader verstehen? Richtig! Die Hochzeit von Hasselhoff mit seiner halb so alten Frau Hayley. Wer nicht auf diese Idee gekommen ist, sollte vielleicht vorbeikommen, sich die Teaser anschauen und anschließend mithilfe des Plans die Werke betrachten. Und auch wer richtig geraten hat, kann natürlich gerne zu dieser witzig durchdachten Ausstellung voller Werke der sympathischen Jungs kommen und seiner eigenen Interpretation freien Lauf lassen. Denn genau das ist ja das Schöne an der Kunst: Einer bringt den Ball zum Rollen, und jeder kann selbst herausfinden, was er darin sieht.

„Ich glaube das ist ein …“ habe ich bei der Vernissage GHOST SIGNATURES im Feierwerk Farbenladen des Öfteren gehört. Was der Künstler PATRICK HARTL über unlesbare Schriften und aktuelle Trends sagt und wie seine Kunst einen unverwechselbaren Stil bekommt, darüber haben wir uns letztens unterhalten.

Wie hast du deine Begeisterung für Kalligrafie entdeckt?

Mein erster Kontakt mit Kalligrafie kam durch Graffiti, da geht es ja auch in erster Linie um Schrift. Später in meinem Designstudium war Kalligrafie eines meiner Hauptfächer und im Hauptstudium habe ich es als Schwerpunkt gewählt. Das heißt, eigentlich war die Hälfte von meinem Studium tatsächlich Kalligrafie.

Was bedeutet Schrift für dich?

In Bezug auf meine Arbeiten ist, glaube ich, das Wichtigste, dass es nicht mehr in erster Linie um die Lesbarkeit geht. Dem Begriff nach ist Kalligrafie ja „die Visualisierung von Text“. Bei meiner Arbeit rückt das aber in den Hintergrund. Mein Professor hat das gerne so ausgedrückt: „Freie Kalligrafie ist die Visualisierung der menschlichen Bewegung – die auch bestehen bleibt, wenn man den eigentlich lesbaren Buchstaben weglässt.“ Von daher liegt bei mir nicht mehr die Lesbarkeit im Vordergrund, sondern diese Formqualität.

Was ich auf meinen Arbeiten schreibe sind meine alten Graffiti Pseudonyme. Graffiti war mein erster Kontakt zur Kunst, darin liegen meine Wurzeln. Meine künstlerische Arbeit ist sozusagen eine Spurensuche zurück zur Essenz von Graffiti – du schreibst deinen Namen an eine Wand oder einen Zug, so oft bis das den Menschen auffällt, man sich deinen Namen merkt – und du dadurch „fame“ erlangst.

Was steckt hinter dem Titel GHOST SIGNATURES?

„Ghost Signatures“ ist ein Begriff aus der viktorianischen Epoche, in der man seine Unterschrift auf die Mitte eines Blattes schrieb und durch das anschließende Zusammenklappen des Blattes einen geisterhaften Effekt erzielte, ähnlich aussehend wie bei einem Rorschachtest. Ähnlich wie bei meinen kalligrafischen Arbeiten geht es dabei eben nicht in erster Linie um die Lesbarkeit, sondern vielmehr um die Formqualität und den künstlerischen Ausdruck der Signatur. Deshalb empfand ich es als total passend zu dem, was ich in meinen Arbeiten mache.

Was sagst du zu dem aktuellen Handlettering-Trend?

Grundsätzlich finde ich es natürlich super, dass die Leute wieder von Handy und Tastatur wegkommen und Handschriften wieder spannender finden. Und klar bringt das die Leute vom Interesse her auch ein wenig zu dem was ich mache, aber es ist schon eine komplett andere Nummer. Wie gesagt geht es in meinen Arbeiten ja nicht um die Lesbarkeit, bzw. die Umsetzung von textlichen Inhalten – wie im Handlettering.

Wie gehst du an deine Werke ran? Hast du einen roten Faden der sich komplett durchzieht oder entsteht alles einfach ganz spontan?

Grundsätzlich arbeite ich „freestyle“, aber der rote Faden ist schon da. Ich beschäftige mich seit über 25 Jahren mit Graffiti. Allerdings langweilen mich klassische Motive – Schriftzug, Figur, Schriftzug etc. – mittlerweile. Was mich heutzutage fasziniert sind alte Wände, die seit 10-20 Jahren immer wieder abwechselnd „beschmiert“ und dann wieder mehr schlecht als recht ausgebessert werden. Ein Sammelsurium aus Überresten von (halbherzig vom Hausmeister überstrichenen) Graffiti-Tags, (verwitterten) Postern, Stickern etc. Was am Ende übrig bleibt ist kein fertiges Bild, sondern lauter kleine Überbleibsel von dem was mal da war – Fragmente der Zeit sozusagen. Diesen Prozess der draußen im öffentlichen Raum passieren würde, versuche ich im Studio nachzubilden Das bildet eine eigene Ästhetik. Das mag ich total gerne. Manchmal würde ich gerne Versatzstücke aus der Wand rausnehmen können, rahmen und an die Wand hängen. Das ist so etwas der Fokus in meiner Arbeit.

Warum habt ihr euch den Farbenladen als Location für eure Ausstellung ausgesucht?

Das Feedback auf meine letzte Ausstellung SAY MY NAME im Farbenladen vor 2 1/2 Jahren war sehr gut. Ehrlich gesagt weit besser als ich mir das bei einer öffentlichen Einrichtung – deren Fokus ja eigentlich nicht Kunst ist – erwartet hätte. Außerdem sind die Räumlichkeiten natürlich super um Kunst auszustellen: Große Hängeflächen, viel Tageslicht und gute Beleuchtung. Von daher ist der Farbenladen immer eine gute Option in München auszustellen.

Vor zwei Jahren war die Magic City Ausstellung, das MUCA mitten in der Innenstadt, letzte Woche hat das Kunstlabor eröffnet und natürlich unser Sunny Red – Was sagst du dazu, dass Urbane Kunst immer mehr Raum im „Saubermann“ München bekommt?

Kunst ist meine Passion, aber eben auch mein Beruf. Von daher sind neue Präsentations-Plattformen für mich natürlich immer erst mal ein Vorteil. Du sprichst aber natürlich auch die Diskussion an, dass man Street Art jetzt ins Museum verfrachtet. Ich denke man darf nicht vergessen, dass die Leute, die 20 Jahren Graffiti oder Street Art gemacht haben, eben auch älter werden und vielleicht andere Denkweisen und Inhalte in ihrem Leben entwickeln. Dementsprechend ändert sich auch deren künstlerisches Schaffen und dessen Inhalt. Also finde ich es auch völlig legitim, wenn diese Kunst dann ins Museum wandert. Natürlich ist es da (zumindest aus meiner Sicht) nicht zwingend notwendig, dass jeder Künstler, der in diesem Bereich ausstellt, auch nach wie vor nachts illegal die Wände und Züge anmalt. Was ich allerdings schon der Authentizität geschuldet für wichtig halte ist, dass die Wurzeln der Künstler, die sich in diesem Bereich präsentieren, tatsächlich in der Illegalität dieser Szene liegen.

Fotos: Lisa Sernow und Patrick Hartl

Was war das denn bitte für eine tolle Woche beim Theatron Musiksommer dieses Jahr! Echte Kerle voller Glitter, der geilste heiße Schei***, den die Stadt zu bieten hat. Ein tolles Publikum und so vieles mehr ist in der letzten Woche beim Theatron Musiksommer passiert. Ich weiß gar nicht, wo ich anfangen sollte, also starten wir einfach am Montag.

Die Woche war noch jung und wenn man aus dem Fenster schaute, lachte die Sonne viel zu warm ins Gesicht. Was sollte da schon dagegensprechen, dass unser erster Tag ein toller Start für das Programm sein würde? Leider war der liebe Wettermacher nicht ganz so von unserem Plan eines tollen Konzertwochen-Starts begeistert. Circa eine Stunde vor Beginn schüttete es wie aus Eimern. Das schlechte Wetter schien nicht abzuklingen und so waren die Steintreppen bis fünf Minuten vor dem Auftritt von Pepperella vollkommen leer. Frau Holle zeigte sich schließlich als großer Fan unserer Sprungbrett-Bands – perfekt zum Beginn der ersten Show kam die Sonne wieder heraus. Das Publikum wischte die nassen Treppen so gut wie möglich ab, setzte sich auf die Regenjacken und feuerte auch die anderen drei Bands aus vollem Herzen an.  Langsam ging die Sonne unter und hinter den bunten Lichtern der Buden und Fahrgeschäfte des Sommerfestes erstrahlte ein romantischer Sonnenuntergang – passend zur Liebeserklärung für „Marie“ von Kraut & Ruhm. In der Dunkelheit kamen die Sieger des diesjährigen Sprungbretts auf die Bühne – Endlich Rudern. Das Trio stand wie selbstverständlich auf der Bühne. Sie scherzten über ihre fiesen Mienen und rockten die Location, als ob sie vor tausenden von Leuten standen.

Ein Klavier? Oder doch ein Bügelbrett?

Nach dem powervollen ersten Tag ging es am Dienstag ruhiger weiter. Die Sonne war draußen und es wurde voll! Fast alle Plätze auf den Steintreppen waren besetzt.  Das Highlight des Tages war erst einmal nicht erkennbar. Ein „seltsames“ Gerät wurde auf die Bühne getragen. Ist es ein Klavier? Ist es ein Bügelbrett? Nein, es war ein Teremin. Die Künstlerin Verena Marisa zeigte dem verdutzten Publikum, wie man auf diesem Stück Holz mit zwei Metallstangen Musik macht. Sie zu beobachten, war wirklich faszinierend. Nur winzige Handbewegungen reichten aus, um ihre Songs zu spielen.

Der nächste Tag sollte etwas rockiger werden. Coole Bands, die einen direkt in die Zeiten knapp nach dem Abi versetzen, standen heute auf der Bühne. Den Anfang machten Lässing und animierten schon die ersten Zuschauer, sich gemeinsam vor der Bühne zu sammeln und zu tanzen. Tanzen war eh ein großes Thema des diesjährigen Theatrons. Spätestens bei der zweiten Band tummelte sich eine Schar von Leuten auf der Fläche vor der Bühne. Sie tanzten zu dem HipHop-Beat von The Lytics und sprangen zu den Songs von Kettcar. Aber dazu gleich mehr. Wo waren wir? Ach ja, beim rockigen Feiertag. Als zweiter Act des Abends war Nico Laska am Start. Der junge Singer/Songwriter sang mit der Sonne um die Wette. Mit seinen ohrwurmtauglichen Songs wickelte er schnell das Publikum um seinen Finger.

Ein Feuerwerk erleuchtet das Theatron

Immer donnerstags wird über dem See ein fettes Feuerwerk in den Himmel geschossen. Das Theatron war deshalb sehr voll. Richtig angefixt von den Raps von DiskoCTRL, konnte man sich im Anschluss auf das Rap Kollektiv The Lytics nur freuen. Die vier Kanadier plus ihr DJ werden nicht umsonst als Kanadas freshester Export gehandelt. Sie rissen einfach jeden mit – selbst HipHop-Muffel wie mich. Irgendwann war die Show vorbei und der ganze Olympiapark wurde dunkel. Ein fetter Knall ließ erstmal alle aufschrecken. The Lytics spaßten, ob das Feuerwerk jetzt schon vorbei sei. Der Himmel schien in den buntesten Farben. Während wir alle ein klein wenig abgestumpft von den Feuerwerken der letzten Jahre waren, hüpften The Lytics vor Freude hin und her. „WOW …. THIS MUST BE THE END…. OOOOH NO IT’S GOING ON“ riefen die fünf Musiker immer wieder. Sie waren einfach nur baff von dem, was da alles abgeschossen wurde.  Mit dem Erleuchten des Riesenrads wurde der Tag dann auch wieder abgeschlossen. Und wir konnten nur gespannt sein, was uns am Freitag bei Kettcar erwartete.

Rockband Kettcar füllt die Reihen und begeistert die Menge

Der Tag der Tage war gekommen und als ich, wie die ganze Woche über, eine Stunde vor Beginn der Konzerte an der Seebühne ankam, musste ich zweimal hinschauen. Wo die Tage zuvor um diese Uhrzeit nur wenige Plätze besetzt waren, saßen jetzt die Leute wie auf einer Hühnerstange. Die Menge wurde während der Performance der Vorband Fortuna Ehrenfeld auch nicht weniger – ganz im Gegenteil. Irgendwann mussten die Securities sogar den Durchgang mit Bändern stoppen, so groß war der Andrang auf die Indie-Rockband Kettcar aus Hamburg. Das Publikum war aus ganz Bayern und Oberösterreich angereist, um das Quintett live zu sehen. Kein Wunder, die Nordlichter haben eine Wahnsinns-Show abgeliefert und wirklich jeden Klassiker ihrer Playlist gespielt.

Am nächsten Tag ging es mit dem Showcase von Boom Clack Records weiter. Einem in München sitzenden Recordlabel. Nachdem MKW alias Meine Wenigkeit das Publikum einheizte, wurde es bei Homie ein klein wenig souliger. Grasime zeigte, dass er neben bekannten HipHop-Songs, die er nur umgeschrieben hatte, auch selbst ordentlich was drauf hat. Den Abschluss des Abends machten Poly Poly. Feierwerk Booker Kiesi – der uns die ganze Woche über durch das Programm führte – nannte sie den „geilsten, heißesten Scheiß, den München aktuell zu bieten hat“. Und er hatte Recht: ihre Beats, Synthies und Stimmen weisen eine gewisse Ansteckungskraft auf, bei der man sofort mitwippen wollte. Die Lichter der Bühne strahlten in Pink- und Türkistönen und vor der Bühne kam man sich vor wie in einem coolen Indie-Club in irgendeiner Hipster-Metropole. Und so schnell die Woche da war, so schnell war sie auch wieder rum.

Volles Haus am letzten Abend

Der letzte Theatron Abend wurde bunt, laut und abwechslungsreich. Die erste Performance gehörte dem Münchner Power-Frauen-Duo Umme Block. Mit ihrem Electronic-Acoustic-Mix vereinten die Zwei Elemente, die sich eigentlich widersprechen. Immer dabei ist ihr aus den 80ern stammender Roland, den der Papa schon vor 25 Jahren benutzt hat. Ihre Beats bauen die beiden live auf der Bühne zusammen. Im Anschluss wurde es wieder ein wenig rockiger. Sandlotkids, inspiriert von den Größen der 2000er Skate-Punk-Szene, entdecken das Genre für sich ganz neu. Während die Jungs über Liebe, Sehnsucht und das Leben sangen, ließ ich nochmal die Woche im Olympiapark Revue passieren.

So viele verschiedene Gesichter, so viele verschiedene Bands, so viele tolle Leute

Jeder Tag für sich war ein eigenes wundervolles Festival. Es wurde gelacht, getanzt, gesprungen, geklatscht, nach Zugaben geschrien und so viel mehr. Leute haben neue Bands entdeckt und gemeinsam in einer großartigen Atmosphäre gefeiert. An dieser Stelle ein fettes Lob an Euch,  das tolle Publikum – Ihr wart der Hammer! Egal wie krass die Sonne runtergeprallt hat, ihr seid abgegangen wie Schmitz‘ Katze, und das war großartig. Die Stimmung war selbst beim schlimmsten Regen durchgehend großartig. DANKE!

Soweit so gut – und jetzt kommen wir noch zum letzten Act der Woche: Bird Berlin. Er war mein absolutes Highlight. Ich habe selten einen Menschen mit so einer Präsenz erlebt wie ihn. Bird Berlin hält nichts vom sogenannten Normalsein. Mit Glitzer bestäubt und einem Herzen ins Brusthaar rasiert kam er auf die Bühne. Pinke Stulpen schmückten seine Arme und Waden. Auf der Bühne angekommen stöpselte er schnell noch sein Mobilephone an und los ging’s. Ein rosafarbenes Potpourri stand da auf der Bühne und animierte das Publikum zum Knutschen und gemeinsamen Tanzen und Sitzen. So grazil wie er hat sich kaum ein Künstler bewegt – Jane Fonda wäre stolz gewesen.

Seit vergangener Woche findet die neue Ausstellung KANIKULY  30° IM SCHATTEN im Farbenladen statt. Der Titel ist Programm: Kanikuly ist russisch für „Ferien“ und da liegt natürlich der August als Ausstellungs-Monat perfekt. Die tollen Skulpturen, Gemälde und Installation versetzen einen direkt in den Urlaub, an den See oder ans Meer zurück. 

Abkühlung gefällig? Alles über das kühle Nass

Ich selber habe mir am Freitag eine künstlerische Abkühlung geholt. Empfangen hat mich die liebe Anette Koch. Neben ihr haben auch noch viele weitere Künstler*innen für die Ausstellung Werke vorbereitet. Wenn man sich in dem Raum so umschaut, merkt man, was das Hauptelement bei 30 Grad im Schatten ist: Wasser. Die meisten Werke drehen sich rund um das kühle Nass. Anette hat tolle Ölmalereien von tauchenden Menschen über der Treppe in den Keller und Silhouetten von Personen, die tolle Schattenbilder erzeugen, mitten in den Raum gehängt. Als ob die Schattenspiele selber gerade die verschiedenen Werke bestaunen. Wir folgen ihren Gemälden nach unten in das Untergeschoss vom Farbenladen. Sie erzählt mir von einer völlig abgefahrenen Installation von Mario Klingemann, denn der Künstler arbeitet mit künstlicher Intelligenz. Ein Algorithmus bekommt unterschiedliche Bilder vorgezeigt, teilweise stark verpixelt, und gestaltet aus seinen Erkenntnissen ein eigenes Bild. Man erkennt sofort, wie der Algorithmus „denkt“. Leider funktionierte die Installation heute nicht und Annette Koch erklärt mir nur, wie ich mir das ungefähr vorstellen kann. Allein ihre Erzählung klang total abgefahren.

Schwindelerregende Gemälde

Vollkommen hin und weg von den Beamern erblickte ich ein paar kleine Gestalten in weiß und blau – die Skulpturen von Alexandra Lukaschewitz. Ein kleines schneeweißes Fabelwesen mit großen blauen Kulleraugen starrte mich mitten im Farbenladen an und zog mich in seinen Bann. In seiner linken Hand hielt es einen kleinen süßen Oktopus, und mit jedem Blick in seine Richtung verliebte ich mich ein klein wenig mehr in das kleine Kerlchen. Als ich so weiter durch die Ausstellung ging, ließ mich ein Gemälde von Boris Storz an der Stärke meiner Brillengläser zweifeln. Ich blinzelte mehrmals, bis mir ganz schummrig vor Augen wurde. Eine riesengroße gelbe und baue Fläche mit einigen fleischfarbenen Flecken stand mir gegenüber. Ein wenig rot und weiß war auch noch darunter gemischt.  Die ganze Strand-Szenerie verwirrte mit seiner verschwommenen Art und Weise den visuellen Teil meines Gehirns. Ich wollte lange drauf schauen, um Genaueres zu erkennen, aber länger als zehn Sekunden ging nicht – da wurde mir schon wieder schwindelig. Aber auch nicht schlimm, ich blickte weiter nach rechts, wo mich ein kühles Swimmingpool-Türkis anlachte. Mehrere junge Frauen tauchten auf den Gemälden durch eisblaues Wasser. Die Gemälde von Brigitte Yoshiko Pruchnow faszinieren mit ihrer wahnsinnig realistischen Spiegelung der Sonne im Wasser auf den Gesichtern junger Frauen. Als ob man mit einer Unterwasserkamera einen perfekten Schnappschuss für ein perfektes Instagram-Bild aus dem Urlaub schießt, für das einen alle Zuhausegebliebenen beneiden. Zum Glück sind die jungen Mädels nicht den realistischen Quallen von Michaela Wühr begegnet. Die in rosa und grau schillernden Medusen erblickt man aus jedem Winkel des Raumes. Beobachtet man das Bild lange genug, erkennt man die kleinen Feinheiten, mit denen Wühr jeden einzelnen Tentakel auf die Leinwand bringt. Und was jeder von uns denkt, wenn uns im See eine glitschige Alge am Fuß berührt, könnt ihr hier auf dem Gemälde von Maria Stelmakh sehen:

Mein Fazit von der Ausstellung Kanikuly im Farbenladen

Egal ob es draußen wirklich 30° im Schatten heiß ist oder nicht, diese Ausstellung ist perfekt, um die künstlerischen Reserven aufzufüllen. Versetzt euch mit den Bildern in den Jesolo-Urlaub, als ihr 11 Jahre alt wart, zurück oder werdet verblüfft darüber, wie gerne auch die Technik mal ihre Koffer packen würde. Quatscht die Künstler*innen an und erzählt euch gegenseitig von eurem schönsten Urlaub. Seid fasziniert vom beneidenswerten Handwerk unserer Aussteller*innen. Leute schaut vorbei – eine erfrischende Abkühlung bekommt ihr hier garantiert bei jedem Wetter.

Wenn ihr noch mehr über den Farbenladen, seine Ausstellungen und Künstler*innen lesen wollt: Tobias Meier berichtet auf unserem Blog, wie er seine Ausstellung erlebte. Außerdem könnt ihr nachlesen, warum man  bei „Obacht! Firlefranz“  immer ein zweites Mal hingucken muss.

Es war ein voller Tag im Feierwerk, an dem sich Franz Handschuh dazu entschieden hatte, seine (neuesten) Werke im Farbenladen auszustellen. Auf dem Hauptgelände liefen einige Besucher*innen aufgeregt umher. Parallel zur Ausstellung fand in der Kranhalle das Sprungbrett Förderprogramm statt und im Sunny lief Psychedelic Rock von Maidavale. Aber zurück zur Kunst. OBACHT!FIRLEFRANZ hieß das neue Ding von Franz und er hätte sich keinen passenderen Tag aussuchen können, um die Scharen in den Feierwerk Farbenladen locken zu können.

Dieser war gut besucht, trotz perfektem Biergartenwetter. Auch die parallel auftretenden Bands und ihr Publikum schauten mal bei der Vernissage vorbei. Perfekt, denn so wurde der Laden immer etwas voller. Von der Masse getrieben, wagten auch zufällig vorbeilaufende Passanten einen Schritt herein. Bloß die Temperaturen hätte er sich besser aussuchen müssen. Im Atelier selbst war es viel zu warm. Aber kein Problem, zunächst schaute man sich seine Werke an, und im Anschluss plauderte man miteinander auf den Bierbänken sitzend.

Was die Ausstellung im Farbenladen zu bieten hatte

Handschuh hatte seine neuesten und alten bekannte Werke eingepackt und tolle Installationen aufgebaut. Von Collagen über Kunstdruck bis hin zu Schreibmaschinen mit Trieben, die aus ihnen heraus wuchsen, stellte der Künstler die unterschiedlichsten Variationen seiner kreativen Arbeit aus. An den Wänden hingen Kunstdrucke, die vermutlich ihn selbst darstellen sollten. Im Hintergrund konnte man ausgeschnittene Amphibien und Föten entdecken.

Auf den zweiten Blick sieht man besser

Insgesamt sollte man auf alle Werke von Franz Handschuh noch ein zweites Mal schauen, denn erst dann sieht man das Kunstwerk im Ganzen. In etwa so, wie bei einer optischen Täuschung, verstecken sich immer zwei eigenständige Blickwinkel in seiner Kunst. Darin entdeckt man dann auch die Liebe zur Philosophie und Psychologie des Ausstellers. So zeigt beispielsweise eine Collage zunächst einen Geldhaufen auf einer Art Teller. Schaut man genauer hin, erkennt man ein Glücksschwein mit Flügeln darauf drapiert. Ein anderes zeigt die Kinder eines weit von der Zivilisation entfernten Stammes. Gemeinsam mit ihren Füßen bildet sie einen Kreis, der auf den zweiten Blick ein Loch, vielleicht sogar eine Falle, zur Großstadt darstellt. Vor seinen Kunstwerken kann man auf jeden Fall lange verweilen und sehr gut diskutieren. Und ich vermute, dass es genau das ist, was einen Künstler wie Franz Handschuh antreibt. Besucher*innen sollen darüber nachdenken, was vor ihnen an der Wand hängt und gemeinsam bereden, was sie eigentlich darin sehen. Die Ausstellung OBACHT!FIRLEFRANZ hat auf jeden Fall genügend Stoff dafür her gegeben.

In den Osterferien haben wieder unsere Skatekurse auf dem Feierwerk Skateplatzl stattgefunden. Im Rahmen dessen haben wir mit unserem Kursleiter Simon ein wenig gequatscht und ihm einige Fragen rund um die Skatekurse gestellt.

Simon, wie alt bist du?

Ich bin 36.

Was machst du beruflich?

Ich bin Sozialpädagoge und arbeite in einem Jugendtreff.

Wie bist Du zum Skaten gekommen?

Boah … Da war ich ungefähr … Ah genau, ich habe auf einem Volksfest bei so einem Los-Stand mein erstes Skateboard gewonnen, so mit sechs bis sieben Jahren.

Was gefällt Dir an dieser Sportart besonders gut?

Das ist eine gute Frage… so eine fundamentale Frage. Das ist jetzt echt total schwierig. Zum Beispiel beim Fahrradfahren hat man ja auch dieses Gefühl von Geschwindigkeit. Genau, einfach so ein bisschen das Adrenalin, das Unkonventionelle. Weil Skaten einfach so facettenreich ist. Man kann praktisch die ganze Stadt zu einem Funpark machen, man sieht überall kleine Rampen und Sprünge.

Gibt es einen Lieblingstrick, den Du hast?

Ja, das ist der Heelflip.

Wie lange bist Du schon Kursleiter im Feierwerk?

Ich glaube, das ist jetzt das dritte oder vierte Jahr.

Was kann man im Skatekurs lernen?

Bei den Kids geht’s einfach um ganz basale Sachen. Wir fangen einfach damit an, wie man sein Skateboard handlen kann, links herum drehen, rechts herrum drehen und solche Dinge. Wie ist überhaupt die richtige Fußstellung auf dem Skateboard? Dann fahren wir die kleinen Rampen herunter. Bei den Kids, die Angst haben, noch mit der Hand. Dann steigern wir uns bis zu kleinen Sprüngen und den großen Rampen.

Was macht Dir am Unterrichten so Spaß?

Die schönen Momente sind die, wenn man die Fortschritte von den Kindern sehen kann. Manchmal passiert es auch, dass die Kinder eine tolle Gruppendynamik entwickeln und sich gegenseitig helfen.

Was gefällt Dir am Feierwerk Skateplatzl besonders gut?

Dass er einfach super für Kinder und Anfänger geeignet ist, sehr variantenreich. Die Halfpipe haben die Kinder geliebt. Es wäre also toll, wenn da wieder eine hinkommen würde.

Welche Skate-Spots kannst Du in München sonst noch empfehlen?

Das Gefilde in der Fasanerie, oder auch den Hirschgarten, aber das ist schon eher was für Fortgeschrittene.

Vielen Dank für das Interview, Simon!